NEIL YOUNG

Neil Percival Young, o simplemente Neil Young (Toronto, 1945), ha sido definido como uno de los artistas más influyentes del rock.Como guitarrista y cantante Neil Young es indudablemente un referente. Cuatro décadas de su rock siguen circulando por las venas de músicos y melómanos. Acústica o eléctricamente; asentado sobre sus distorsiones y -en todas- entregado absolutamente a la música, Neil Young es el héroe inmortal de la guitarra -en mi opinión no tanto por su virtuosismo (los hay más virtuosos que él), sino por su originalidad-; una influencia inexorable para los que vivimos en el territorio de la música, provisto especialmente de su Old Black Gibson Les Paul. Yo mismo, no puedo evitar aplicar imaginariamente las improvisaciones de Young en las performances de otros grandes del rock. 

La música de Young es agridulce, obsesiva del detalle y la creatividad; su lírica es notable, quizás porque Young es un testigo. Testigo de todo: de su propia vida (una familia fracturada, la polio cuando niño, la epilepsia de joven, un aneurisma cerebral, fracasos amorosos, dos hijos con parálisis cerebral), del mundo, sus injusticias y rebeldías (cómo olvidar su magistral “Ohio”, testigo de las masacres de la Universidad de Kent y de la Plaza Tiananmen); del cambio climático, de las guerras, de la búsqueda del sonido, etc. Un testigo siempre creativo. Sus inicios en los sesenta, sus bandas: Buffalo Springfield, CSNY, Crazy Horses, Stray Gators; sus trabajos en solitario y con las colaboraciones de Linda Ronstadt, Emmylou Harris o Nicolette Larson; sus músicos: Danny Whitten, Billy Talbot, Ralph Molina, además de Still, Nash, Crosby, Furay; sus 55 álbumes entre 1966 y 2015, etc. lo retratan como icono del rock de todos los tiempos. Si bien Young -por motivos  comprensibles o no tanto- no apareció en los ochenta, resurgió por todo lo alto en los noventa. Y ello resulta más admirable y paradójico tratándose de alguien como Young, que desde los parámetros folk, tan clásicos, tan sesenteros, resulte hoy tercamente revolucionario. Su música forma parte de los cimientos, las estructuras del rock, cuya repetición e influencia siguen siendo trascendentes e invaluables. Por ello, su discografía es la historia de la revolución en muchos aspectos: social, cultural, económico, musical, etc. Por ello -en mi opinión- “Ohio”, “Heart of gold” “Cowgirl in the Sand” y “Hey hey, my my (Into The Black)” son las joyas de la corona.

Para cerrar esta parte, no hay que ignorar la opinión de una de las personas que más cerca ha estado y que ha hablado decenas de horas con Young: su biógrafo autorizado Jimmy McDonough. Él retrata al genial músico en Shakey: Neil Young's Biography (Author Books, A Division of Random House, Inc., 797págs.) como hiperactivo, caótico, despiadado, talentoso, inconformista, desconcertante..., además de generoso.

ALGO DE SU DISCOGRAFÍA MÁS VALIOSA

Su álbum Everybody knows this is nowhere (Reprise, 1969), puede considerarse su obra maestra. Épica, invaluable, absoluta. En él aparecen los exRockets -a partir de aquí Crazy Horse- acompañando magistralmente a un Young a partir de ahora solista. No hay palabras para describir esta mezcla de energía y sensibilidad en un rock country con su personalísimo sello. Canciones largas, con míticas improvisaciones donde nada es completamente dulce ni nostálgico, nada demasiado agrio ni salobre. De todos ellos se puede ver cómo el amor se convierte en riff en “Cinnamon girl”; o el “Everybody knows this is nowhere” se muestra nostálgica. En “Round & Round” que cantó junto a Robin Lane, Young se desplaza con gran sensibilidad sobre la melodía. “Down by the river” es una alegoría del amor y la muerte, lenta hasta el dolor. “The losing end (When You're On)” otro country rock para el amor fallido. Hay una cuota especial para el violín lastimero de Notkoff en “Running Dry”. Todo está en orden hasta ahí, pero dejamos el lugar especial para la fabulosa e emotiva “Cowgirl in the sand”, para mí la canción de este disco, donde la lírica de Young pasa a ser secundaria y hasta prescindible para ceder el paso a su guitarra, en un trance de casi diez minutos y nos deja en el alma un dibujo imborrable, lleno de sensaciones. 

Enseguida Neil Young nos regaló “Harvest” (Reprise, 1972), quizás su disco más mediático, al mismo tiempo el más esencial. No falta ni faltará en el playlist de mi vida. Una larguísima carrera de episodios dispares dentro del mismo disco. Balanceándose entre un folk/rock y country acústico u orquestado. Con la compañía de los Stray Gators Young impregna su genio en un vinilo de gran calidad. Quedan para el aplauso las míticas “Heart Of Gold”,  (grabado en Nashville), “Old Man”, (inspirado en Louis Avila, que trabajaba en su rancho Broken Arrow), "Are You Ready For The Country?”, “The Needle And The Damage Done” y por supuesto “Harvest”. Hay de amor y rebeldía, hay de Crosby, Still, Nash, Taylor y Ronstadt. Hay de la London Symphony Orhestra. Hay de todo para el espíritu.  

En “Rust Never Sleeps” (Reprise, 1979) Neil Young en directo  regresa a esa dicotomía, piedra angular en su trabajo: folk acústico con prevalencia de la melodía y rock eléctrico de intensa y terca   distorsión. Su lírica es notable en los distintos habitáculos desde donde Young nos habla. Para empezar, el magnífico hard “My, My Hey Hey..." En sus dos caras: "Out of the blue” (acústica) pero -para mí- la brillante “Into the black” (eléctrica) es la mejor. Dos regalos de un mismo tema. Luego “Powderfinger”, “Trasher”, “Pocahontas”. Aquí participan Nicolette Larson, Carl Himmell, Joe Osborne y sus amigos de Crazy Horse, crudos, salvajes y valiosos.    

“Neil Young” (Reprise, 1969), un infravalorado, estupendo disco editado en Reprise con cálidos sonidos pop, folk, country y atestado de memorables melodías. Una de ellas es “I’ve Been Waiting For You”, tema con sonidos fuzz guitar con Neil Young registrando su encuentro con una mujer que salvará su vida, una mujer que parece haber perdido una o más veces. 

“On the Beach” (Reprise, 1974) obtuvo poco éxito comercial, aunque con el paso del tiempo se convirtió en un favorito de la crítica: al respecto, el crítico Derek Svennungsen describió On the Beach como «hipnotizante, desgarrador, lúcido y turbio».

En “American Stars ’N Bars” (Reprise, 1974-1977), recomiendo “Like a Hurricane” 

“Freedom” (Reprise, 1989).- Recomendable “Rockin’ in the Free World”, año 1989, un disco crítico con la administración Bush. Resulta valioso este álbum porque puede considerarse su primera aproximación con el grunge. 

MI PLAYLIST:

HEY HEY, MY MY (INTO THE BLACK)

OHIO

HEART OF GOLD

COWGIRL  IN THE SAND

OLD MAN

ROCKIN' IN THE FREE WORLD

LIKE A HURRICANE

HARVEST MOON

DOWN BY THE RIVER

MI SELECCIÓN  PERSONAL 

LAS 20 MEJORES SALSAS DE LA HISTORIA

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

La Salsa, territorio de la alegría, idioma de la celebración, goce de los pueblos y sus gentes, nació de una confluencia de hechos, genios y ritmos. Confluencia que aconteció en la fe de una misma religión: la música afro cubana. Y esa mezcla, que Richie Ray y Bobby Cruz in  geniosamente describieron como “similar a la salsa de tomate que se pone en las hamburguesas para que le den sabor”, fue resumida en la perspicaz sentencia del ocasional testigo, el periodista Phidias Escalona: “la música que ustedes hacen es salsa. En adelante la llamaremos salsa”. Corría el año de 1968 y aunque ya el nuevo ritmo existía(*), no había tenido un consenso sobre el nombre. Y ese consenso comenzó a darse -quizá por primera vez- en el disco “Los Durísimos The Strong Ones, Salsa y Control”, de Richie Ray y Bobby Cruz. Después, el propio Richie añadiría: “La palabra nació alrededor de nosotros, (no obstante,) si no fuera por (Jerry) Masucci no hubiera salsa, porque él la llevó al mundo.”

(*)En el Harlem neoyorquino de los sesenta, los negros americanos habían comenzado a gustar de la música latina, a despecho de no hablar español. La guajira los encandilaba hasta hacerlos bailar. Creyendo que la mezcla de boogaloo, blues, mambo, guaguancó o son montuno, era una variante del boogaloo inventado por Chubby Checker, el nuevo ritmo se fundamentó, incorporando los conceptos del espíritu latino en sus interpretaciones y que –técnicamente-  irían sumando al bagaje: percusión, piano, violines, trompetas, trombones y cuanto instrumento sirviera para darle sabor y riqueza.  Musicalmente, por ejemplo, se añadirían  las llamadas “notas azules” (llámanse así a los sobretonos de las nota E y B acústicamente débiles, últimos en adicionarse a la escala, donde serían reubicados entre LaM y Lam) a las nuevas fusiones. Después llegarían las descargas y fraseos que conocemos hasta ahora como características de la salsa.

Así nació la salsa. Y así se ha ido transformando, siempre dentro del círculo que encierran la alegría, la pasión y el goce, la historia, las vivencias, la fortuna o el infortunio, vistos desde distintas ópticas: urbana, social, sensual o cotidiana.

Este es mi resumen acerca de las veinte mejores salsas de la historia: 

1.- MAESTRA VIDA – RUBÉN BLADES




"Una tarde de abril de 1975, Quique Quiñones, repleto de recuerdos, bebía en una de las mesas del bar. Era hijo de Babá, compadre eterno del legendario sastre Carmelo da Silva. Hoy las cervezas y los rones de siempre los comparte Quique con su hijo Carlitos Lito y con Rafael da Silva, nieto de aquella arrolladora Manuela. La historia es idéntica a todas las historias de este barrio. Quizás sea la misma. Por eso, como siempre, la música no es más que un pretexto..."...(Rubén Blades)

“Maestra Vida”, la salsa cultural del panameño Rubén Blades, producida por Willie Colón, fue grabada en 1980 para Fania Records como álbum doble (Fania F576/577).

“Maestra vida” es un álbum vital para la salsa. Y su importancia reside en su lírica urbana y social. Blades inicia con este álbum su proyecto artístico denominado Focila (Folclore de la Ciudad Latinoamericana), donde pone la música al servicio de la expresión de los pueblos y de las vivencias urbanas.

He elegido para esta lista no el álbum, sino el tema: "Maestra Vida", ubicado en el carril seis de la segunda parte. En sus 7:14 minutos de duración, va desde un discurrir casi pacífico de cuerdas y trombones en el traspatio hasta clarificarse decididamente, primero con los violines y bajos más sofisticados y luego con los trombones ya más enérgicos; con ritmo cambiante, poética testimonial y rebelde, adornada con una melodía emotiva y brillante. Cuerdas, bongós y cencerros que le dan al momento una armonía envolvente y casi boleril hasta regresar a los deliciosos coros que nos han quedado acuñados en la memoria: “Maestra vida camará, te da y te quita, te quita y te da”. Finalmente, el fraseo magistral del maestro Blades, quien hasta hoy sorprende con sus geniales improvisaciones. Termina con los subterráneos gritos de Blades: “¡Carmelo!”, y el trombón de Willie Colón pone la cereza con maestría y pulcritud.     

Créditos:

Producción: Willie Colón
Dirección artística: Irene Perlicz.
Ingenieros: John Fausty, Mario Salvati
Mezcla: John Fausty, Willie Colón
Voz: Rubén Blades
Trombones: Willie Colón, Leopoldo Pineda, Reinaldo Jorge, Lewis Kahn, José Rodríguez
Piano: Joe Torres
Bongós: José Mangual
Tumbadora, clave, quintos: Milton Cardona
Bajo: Salvador Cuevas
Timbales: Johnny Andrews
Cuerdas: Harold Kohnon's String Ensemble
Coros: Milton Cardona, José Mangual, Willie Colón, Reynold Sosa, Rubén Blades
Orquestaciones: Carlos Franzetti, Louie Cruz, Marty Sheller, Javier Vásquez 


2.- PERIÓDICO DE AYER – HÉCTOR LAVOE

“Qué te pasa ¿estás llorando? ¿Tienes alma de papel?”

Famoso tema del gran Tite Curet Alonso, incluido en el disco "De ti depende (It’s up to you)", tercer carril, con 6:49 minutos, grabado en el año 1976, producido por Willie Colón. Es una de las salsas más queridas y admiradas de la historia y un caro diamante en el repertorio de Héctor Lavoe, el mítico cantante boricua de limpia voz y dicción, amplia tesitura, notable color, perfecta entonación y calidez. La orquestación, los tempos, la variedad de melodías son un premio para los oídos. El sello personal de Colón, los trombones enmarcados con violines, la discreta percusión y la voz de Lavoe, cuyo registro puede ir sin problemas desde La2 hasta La4, emocionan y nos llevan suavemente hasta un aterrizaje en los predios de la nostalgia: “Y para qué leer un periódico de ayer” (...) “tu nombre ha sido un recorte que guardé / y en el álbum del olvido lo pegué…”

Créditos:

Producción Ejecutiva: Jerry Masucci
Arreglos, Producción: Willie Colón
Voz, maracas: Héctor Lavoe
Coros: Rubén Blades, Milton Cardona, Coros, José Mangual Jr.
Congas: Milton Cardona
Bongós, percusión: José Mangual Jr.
Trombones: Ray Feliciano, Ángel Vásquez
Piano: José Torres
Bajo: Santi Gonzales
Ingeniero: Jon Fausty

3.- SONIDO BESTIAL - RITCHIE RAY Y BOBBY CRUZ “…a cuero pela'o nos vamos a gozar” Sonido Bestial, composición de Ray y Cruz está incluido en el primer carril del disco “El Bestial Sonido de Richie Ray y Bobby Cruz”, año 1971, sello Vaya Records, grabado en Ochoa Recording Studios (Puerto Rico). Asentado sobre la voz de Bobby y el magistral piano de Ritchie, el tema despliega gran dinamismo y complejidad, con las trompetas perfectamente sincronizadas y un solo de timbales trepidante y ya mítico. En sus 6:45 minutos de duración, “Sonido bestial”, una de las joyas de la salsa, cuenta con más de diez marcados tramos, distintos uno de otro, a partir de una breve obertura, hasta eclosionar en una descarga de timbales, cencerros y trompetas. No es difícil desentrañar la música de Ray y Cruz, si entendemos que proviene del bogaloo y el soul de los barrios negros norteamericanos de Nueva York, donde Bobby y Ritchie se conocerían desde niños. Músicos precoces que finalmente se unirían en 1963, para después ser conocidos como "Los Reyes de la Salsa". Richie Ray y Bobby Cruz grabaron juntos más de 100 discos, acumulando 15 discos de oro y platino y 3 premios Grammy. Créditos: Dirección: Johnny Pacheco Bajo: Mike Amini Timbales: Charlie Cotto Arreglos, producción: Bobby Cruz & Richie Ray Piano: Richie Ray Timbales, cencerros: Manolito Gonzales Trompetas: Ismael Rodríguez, Manolito Gonzales Congas: José Hidalgo Coros: Mike Vimari, Bobby Cruz, Richie Ray Mezcla: Fred Weinberg 4.- EL CANTANTE – HÉCTOR LAVOE "Me paran siempre en la calle, / mucha gente que comenta / ¡Oye Héctor ! tú estas hecho: / Siempre con hembras y en fiestas. / Y nadie pregunta si sufro, si lloro, / si tengo una pena / que hiere muy hondo." Tercer disco como solista de Héctor Lavoe, “Comedia”(1978, La Tierra Sound Studios, NY), 10:23 minutos de duración, incluye en su primer carril este tema que Rubén Blades había compuesto originalmente para interpretarlo él mismo, pero que a pedido de Willie Colón cedió a Lavoe, quizá pensando que en su voz se haría dramáticamente testimonial, como en efecto ocurrió. Destaca la inolvidable melodía de la canción: violines, arpa, piano, trombones, trompetas y contrabajo, que le terminan dando un cariz emocional a esta canción, tanto por su cuidada ejecución cuanto por sus letras que narran la vida pública de un cantante, llena de éxito, pero que oculta la triste procesión que lleva por dentro. No hay que dejar de señalar las legendarias improvisaciones de trompeta y los fraseos del maestro Lavoe. "No es tan fácil el cantar, / como creen ciertos señores." Créditos: Voz: Héctor Lavoe Bajo: Salvador Cuevas Piano: Gilberto Colón Trombones: Reinaldo Jorge y José Rodríguez Trompeta: Luis “Perico” Ortiz, José Febles Congas: Milton Cardona, Eddie Montalvo Timbales y Percusión: Steve Berríos Coros: Milton Cardona, José Mangual Jr., Willie, Eddie Natal, Héctor Lavoe Ingenieros: Jon Fausty, Mario Salvati, Irving Greenbaum Mezcla: Willie Colón Arreglos: Willie Colón, Luis “Perico” Ortiz, José Febles 5.- PEDRO NAVAJA - RUBÉN BLADES “Mi música no es política. (…) Mi música es una canción urbana. (…)La canción, además de entretener, educa e informa." (Rubén Blades) Con Pedro Navaja, Rubén Blades se doctora en música. La temática de su canción, basada en Mackie Messer de Bertolt Brecht, significa un hito en la música popular pues lleva a la salsa a estratos sociológicos hasta entonces insospechados. El argumento truculento, el drama callejero de sus personajes excluidos, una poética cuasi subversiva para la salsa de entonces. Tal vez por eso fue rechazada por las disqueras. Los 7:21 minutos no serían más que una excusa para los productores. La verdadera razón parece haber sido el escepticismo acerca de su aceptación popular, que finalmente terminaría dándole el éxito para Blades y el portazo para los críticos del tema."Pedro Navaja" es uno de los mayores acontecimientos de la historia de la salsa. Con un mensaje de esperanza y orgullo hacia los latinos inmigrantes, la poética de Blades se logró asentar rápidamente para quedarse y darle un lugar de respeto en la música popular. Lanzado en su mítico álbum “Siembra”, año 1978, carril tres, con 7:25 minutos de duración, sello Fania Records. “Yo que pensaba hoy no es mi día, estoy salá, / pero Pedro Navaja, tú estás peor, tú estás en na...” Créditos: Producción Ejecutiva: Jerry Masucci Dirección y Producción: Willie Colón Voz: Ruben Blades Piano: José Torres Coros: Bubén Blades, Adalberto Santiago, Willie Colón, José Mangual Jr. Bajo: Salvador Cuevas Timbales: Jimmy Delgado Batería: Bryan Brake Congas, tumbadora: Eddie Montalvo Bongós, maracas: José Mangual Jr. Ingeniero: Jon Fausty 6.- LA CARTERA - LARRY HARLOW "Uno sale de la casa / con el día revirado, / lo que va a pasar le pasa / aunque vea a Babalao." Los violines de la orquesta de Larry Harlow (Ira Khan, su nombre de pila), “El Judío Maravilloso”, suenan como un preludio de lo que se viene. Los compases de “La Cartera” inicialmente despliegan percusión, trompetas y sutiles violines ante los coros y la característica voz de Junior Gonzales, que luego le da el pase al solo de piano de Harlow, quien ejecuta, sin duda, una improvisación memorable para lo que queda de los tiempos, con la complicidad de una inusual quijada de burro (charrasca o kahuaha) y el bajo, luego la trompeta y el violín son también destacables. "La Cartera" contiene algo de lo mejor de las improvisaciones de la salsa en la historia, incluyendo los de Junior Gonzáles. 6:28 minutos de puro sabor, “La Cartera”, creación de Arsenio Rodríguez, está en el segundo carril del álbum “Salsa” (1974), grabado en los estudios Good Vibrations, los días 26 y 27 de noviembre de 1973. Créditos: Director, piano, productor: Larry Harlow Productor Ejecutivo: Jerry Masucci Voz, maracas y guiro: Junior Gonzales Violines: Lewis Khan Trompetas: Ralph Castrello, Raymond Maldonado, Charlie Miller Trombones: Lewis Khan, Reinaldo Jorge Corno: Charlie Miller Flauta: Johnny Pacheco Bajo, guitarra: Eddie Rivera Tres cubano, guitarra: Harry Vigiano Batá : Milton Cardona, Gene Golden Tumbadora: Antonio Jiménez Timbales: Edwin Colón Coros: Yayo El Indio, Marcelino Guerra, Adalberto Santiago Maracas: Junior Gonzales Percusión, Bongós, güiro, quijada de burro, pailas: Pablo Rosario Arreglos: Sam Burtis, Mik Gibson y Mark Wenstien Ingeniero de Sonido: Jon Fausty 7.- NO SOY PARA TI - ISMAEL RIVERA “Dime quien te dijo a ti que yo iba a querer a una mujer de tu proceder.” La voz del gran Maelo es única en la salsa. Su característico raspado sólo es un peldaño de la larga escalera de cualidades y virtudes que la distinguen y le han dado un lugar de privilegio en la música sabrosa. Su don para dominar la cadencia, clave y ritmo, sin perder una pizca ante el compás, explica de algún modo su influencia innegable en la salsa. Entre sus canciones destacan también: "Mi negrita me espera" (no propiamente una salsa); "El Niche", "El Nazareno", "De todas maneras rosas", "Las tumbas", "Las caras lindas", etc. “No soy para ti”, de Javier Vásquez, está en el sexto carril del álbum “Soy feliz”, lanzado en 1975 por el sello Vaya. 4:39 minutos de altísimo nivel de interpretación. A Ismael hay que escucharlo una y otra vez, para seguir descubriendo los misterios que esconde su inigualable voz. Es un gran ejercicio para los amantes de la salsa. ¡Ecuajey! Créditos: Voz: Ismael Rivera Piano: Javier Váquez Trompeta: Héctor Zarzuela Saxo alto: Manuel Gonzales Trombón: Harry D' Aguilar Bajo: Johnny Rivera Timbales: Carlos Malcón Bongó: Vitín Gonzales Conga: Juan Ross Percusión: Sammy Ayala Guitarra: Bob Daugherty Percusión latina: Rafael Cortijo Coros: Vitín Avilés, Sammy Ayala, Adalberto Santiago 8.- YO QUISIERA – OSCAR D’ LEÓN  "...para entregarte la vida y hagas de mí lo que quieras" La vigencia de Oscar D'León desde de su estreno con Dimensión Latina hace 41 años, nos da una idea de su calidad. No muchos pueden lucir eso. El venezolano, dueño de una energía desbordante que vuelca a sus canciones llenas de ritmo, con largos fraseos -muchas veces irónicos-, despliega una melodía sólida, especialmente sustentada en los vientos. Trompetas y trombones impresionan por su pulcritud y afiatamiento. “Yo quisiera” es un tema imperdible en las pistas de baile. Alegre, variado, con el piano sutil y los cueros en trance, coros inconfundibles, Oscar nos entrega en su salsa brava su personalidad hiperactiva, burbujeante y locuaz. Como si feura poco, está la impresionante y excepcional voz. "Yo quisiera" se ubica en el segundo carril, lado A del disco “Llegó…actuó y triunfó” (THS-2079), con 5:58 minutos de duración, fechado en 1979 para el sello Top Hits; grabado en los estudios Latin Recording Sound Studios, NYC y Estudios Intersonido, Caracas, Venezuela. Créditos: Arreglos: Oscar D’ León, Enrique Iriarte Director artístico y musical: Víctor Mendoza Ingenieros de sonido: Jon Fausty, Alfredo Li Mezcla: Jon Fausty Trompetas: Ángel López, César López, César Pinto Timbales: Edwar Pimentel Piano: Enrique Iriarte Congas: Radame Pimentel Coros: Humberto Becerra, Víctor Mendoza, Oscar D’León Bongó, cloche, güiro: Hungría Rojas Trombones: Pedro Piñango, Tarcisio Piñango 9.- CORO MIYARE - FANIA ALL STARS Si nombres como Johnny Pacheco, Ray Barreto, Larry Harlow, Richie Ray, Rubén Blades, Papo Lucca, Bobby Valentin, Celia Cruz, Roberto Roena, Louie Ramirez, Willie Colón, Cheo Feliciano, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Pete “Conde” Rodríguez, Bobby Valentín, le son familares es porque Fania All Stars (*) está en su memoria como algo trascendente, sepa usted de música o no; le guste la salsa o no. Eso nada lo podrá cambiar.  Para grabar “Coro Miyare”, de Johnny Pacheco, ubicado en el carril cinco, con 6:08 minutos de duración, Jerry Masucci encargaría a Jay Chattaway el proyecto "Spanish Fever" en 1978, con una costosa producción para la que se contrataron a geniales músicos como Maynard Ferguson, Eric Gale, Hubert Laws, David Sanborn, entre otros. El tema, sabroso y rítmico, comienza con un inolvidable y suntuoso sonido de percusión y coros que van siendo atravesados por sensitivos violines hasta marcar con el bajo y los bongós, cencerros y trompetas el afiatado coro que sirve como pretexto para la descarga. Queda para la historia el solo inigualable de bongós de Roberto Roena. "Coro miyare", por su sabrosura y despliegue, se convertiría en el acostumbrado tema de cierre de los conciertos de Fania por muchos años. (*)Conformada en 1968 por Jerry Masucci y la dirección artística de Johnny Pacheco, Fania All Stars, es y será uno de esos hitos de la música popular y de la historia de la humanidad. Es necesario hacer justicia a sus gestores y genios más importantes: Director Musical, flauta, güiro, coros: Johnny Pacheco. Voces: Andy Montañez, Adalberto Santiago, Bobby Cruz, Cali Aleman, Celia Cruz, Cheo Feliciano, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Ismael Quintana, Ismael Rivera, Justo Betancourt, Pete "El Conde" Rodríguez, Rubén Blades, Santos Colón, Willie Colón. Coros: Chivirico Davila, Hector Casanova, Luis Silva, Nancy O'Neill, Néstor Sánchez, Trompetas: Héctor Zarzuela, Juancito Torres, Larry Spencer, Luis "Perico" Ortiz, Pedro Boulong, Ray Maldonado, Roberto Rodríguez, Tony Barrero, Victor Paz, Trombones: Barry Rodgers, Jimmy Bosch, Jose Rodriguez, Leopoldo Pineda, Lewis Khan, Papo Vázquez, Reynaldo Jorge, Willie Colón. Piano: Eddie Palmieri, Larry Harlow, Papo Lucca, Ricardo Ray. Congas: Eddy Montalvo, Johnny Rodríguez Jr., Milton Cardona, Mongo Santamaría, Ray Barreto. Timbales: Tito Puente, Nicky Marrero, Orestes Vilató. Bongoes: Roberto Roena. Bajo: Bobby Valentín, Salvador Cuevas. Cuerdas: Yomo Toro (cuatro, tres y guitarra), Louie Garcia (tres), Pupi Legarreta (violín). Arreglistas: Alfredo De La Fé, Bobby Valentín, Carlos Franzetti, Gene Page, Héctor Garrido, Isidro Infante, Jay Chattaway, Jose Febles, José Gazmey, Lucho Servidio, Louie Cruz, Louie Garcia, Louie Ramirez, Marty Sheller, Papo Lucca, Ricardo Ray, Ricky Gonzalez, Wilson Torres Jr., Vince Montana, entre muchos otros.  10.- YAMULEMAO - JOE ARROYO “Liberarse en armonía, ¡qué fascinación!, / al compás del son, al compás del son, / por cuenta del corazón…” "Yamulemao", compuesta originalmente como Diamoule mawo (niño de agua azul, en lengua creole), por Labba Sossech, fue adaptada por Alvaro José Arroyo Gonzáles, el gran Joe Arroyo, el año 1987, carril tres de su disco "Echao pa'lante" (Discos Fuentes), con 4:30 minutos de duración. Sólido en sus vientos, el tema cadencioso y sutil, deja que la limpia voz de Joe sobresalga sin dudas. La percusión y el piano sostienen el ritmo con un bajo discreto pero efectivo. El fraseo de Joe invita al goce de trompetas y trombones. Todo un acierto del recordado cartagenero. 11.- LUVIA CON NIEVE - MON RIVERA Efraín “Mon” Rivera, el precursor de los trombones en la salsa, compone este tema, sencillo pero delicioso, para el sello Alegre, y lo lanza en su álbum “Que gente, averigua” (1964), carril número ocho con 2:57 minutos de duración. Nos deleitan el cencerro vital, timbales y güiros picantes, piano sugerente, coros breves. Todo eso en un plato de lujo, breve, aromático y sabroso, para bailarlo pegado. Créditos: Productor: Al Santiago Bajo: Leopoldo Fleming Timbales: Kako Bastar Trombones: Manolín Pazo, Mon Rivera, Barry Rogers, Mark Weinstein Piano: Charlie Palmieri  12.- GITANA - WILLIE COLÓN “La nota es porque es imposible seguir viviendo esta agonía / quiero que sepas lo que yo siento, / aunque nunca podrás ser mía.” Uno de los más grandes genios creativos de la salsa, de gran influencia en el desarrollo de este ritmo que nos encandila y seduce, Willie Colón, el arquitecto de la salsa, aquél que trazó las líneas de proyección para que los intentos -hasta entonces dispersos- fueran canalizados en un rumbo ordenado y seguro, pone su nombre en este lugar de la lista de favoritos. En su disco “Tiempo Pa' matar” (Fania 99.733), lanzado en 1984, carril tres del lado A, se ubica “Gitana”, del compositor José Manuel Ortega Heredia (Manzanita), 6:54 minutos de duración con un lento e inusual ingreso de saxo soprano y piano que le da el aire español que en efecto tiene. Sobresalientes los arreglos de violines, percusión y trombones, flauta, bongós y bajo, más el sello latino de Willie. Los coros femeninos no hacen más que añadir otra sorpresa al plato, para completar un disco sutil, suave, delicado, como su mensaje lo exige. La innovación, audacia, coraje de Willie Colón es lo que me anima a optar por este trabajo, sobre otros de él mismo. Créditos: Voz, Dirección, Producción, mezcla: Willie Colón Violín: Lewis Kahn Bongós, batería: Johnny Almendra Tambora: Quilvio Cabrera Coros: Dámaris Carbaugh,Graciela Carriqui, Cindy Cobitt, Cecilia Nöel,Silvia Villegas, Vicky Villegas, Victoria Villegas, Marlene VerkPlank Congas: Milton Cardona, José Mangual Bajo, guitarra: Sal Cuevas Piano: Jorge Dalto Percusión: Edgar Reyes, José Mangual Jr., Mark Quiñones, Nicky Marrero Trombones: Voirabh Lewis Khan, Luis López, Leopoldo Pineda, Dan Reagan, Willie Colón Saxo soprano: John Purcell Saxo tenor: Mauricio Smith Flauta: Mauricio Smith Ingenieros: Chaz Clifton, Emilsam Velásquez, Irving Greenbaum, Ted Jensen, Mike Morongell, Grabado en  La Tierra Sound Studios.   13.- YAY BOY - AFRICANDO Incomparable, "Yay boy" de Pape Serigne Seck ocupó por seis semanas la lista de éxitos de la salsa en Nueva York, luego de ser lanzado el 3 de mayo de 1994 en el carril número tres de “Tierra Tradicional – Volúmen 2”, con 3:59 minutos de duración, igualando o superando el éxito arrasador del primer volumen. Con trombones y bajos muy marcados, trompetas brillantes y la voz de Pape Seck. La percusión no podía dejar de mostrarse en un tema esencialmente africano. El solo de flauta deja marcado el derrotero de trombones y trompetas, en un desenlace al que se adhieren finalmente los timbales, el piano y los coros. Créditos: Productor: Ibrahim Sylla Voz: Pape Seck Coros: Adalberto Santiago, Yayo El Indio Bajo: Johnny Torres Bongós: Bobby Allende Flauta: Eddy Zervigon Guiro: Pete Gómez Piano: Segio George Saxofones: Mario Rivera, José Silva Timbales: Pablo Núñez Congas: Papo Penin Tres: José García Trombón: Leopoldo Pineda Trompeta: Ite Jerez, Héctor Zarzuela Violines: Lloyd Carter, Patmore Lewis, Félix Ferrar  14.- EL PRESO – FRUKO Y SUS TESOS “En el mundo en que yo vivo / siempre hay cuatro esquinas, / pero entre esquina y esquina / siempre habrá lo mismo…” “El Preso”, de Álvaro Velásquez, quizá el tema bandera de Fruko y sus Tesos, fue lanzado en 1975, con el álbum “El Grande”, en el sello Fuentes (201011), carril siete del lado B, con 4:51 minutos, en la voz del caleño Wilson Manyoma (Wilson Saoko). Bajo y piano nos dan la bienvenida, aunque Saoko nos advierta que habla “desde la prisión”. Los timbales deben sostener el ritmo junto al bajo, para después irrumpir trombones y trompetas sobre la melodía base. La descarga es breve, porque Wilson debe seguir narrando el arrepentimiento y la contrición del personaje. Otra descarga, iniciada por el repiqueteo del piano contagia. Trompetas y trombones que se trepan sobre los coros. Es quizá una de las descargas más legendarias de la salsa, por su singular sencillez. Ningún salsero deja de reconocerla como original de “El Preso”. No se parece a ninguna otra. Créditos: Director artístico y musical & Bajo: Julio Estrada Rincón (Fruko) Arreglos: Luis Carlos Montoya Productor: Mario Rincón Voz: Wilson Manyoma Coros: Joe Arroyo, Wilson Manyoma, Edulfamit Molina Díaz Trompetas: José Gaviria, Carlos Escobar Trombones: Gustavo García, Gilberto Hernández Timbales: Rafael Benitez Piano: Hernán Gutiérrez Bongó: Jesús Villegas Congas: Fernando Villegas  15.- ISADORA - CELIA CRUZ  “Se liberaba al danzar, se liberaba al amar, / fue muy violenta su vida, / y violento fue el final de Isadora Duncan…” Celia Caridad Cruz Alfonso, "La guarachera de Cuba", gran voz, inconfundible estilo y desbordante carisma, fue propulsora de la música cubana en los Estados Unidos, donde impulsó la música cubana desde 1966 cuando, en sociedad con Tito Puente, editaron un total de cinco álbumes para el sello Tico Records. Luego sería la voz de orquestas como las de Lino Frías, Bruno Ataraza y Memo Salamanca, por citar algunas. Pero este sólo fue el comienzo, y aunque no tuvieron el éxito esperado, algunos temas -como Bemba Colorá- lograron notoriedad. Su ingreso definitivo a la salsa se daría del brazo del maestro pianista de la Fania, Larry Harlow en 1973, con quien interpretaría el tema "Gracia Divina" durante el ya legendario concierto en el Carnegie Hall. Posteriormente firmaría con el sello Vaya, apéndice de Fania Records. Para el quinto álbum de estudio de Fania All Stars -última con Columbia- "Cross Over" (1979), un álbum híbrido. En el lado A, correspondiente a salsa, se encuentra "Isadora", el sencillo principal, composición de Tite Curet Alonso, y uno de los mejores arreglos de la Fania All Stars, cantado por Celia Cruz. Con la presentación especial de Rubén Blades, Sal Cuevas, Papo Lucca, Nicky Marrero, Louie Ramírez, Nick Gale, Roberto Roena, entre otros. Carril número dos, con 6:55 minutos de pura melodía y goce, cuerdas y vientos como soportes para la potente voz de Celia, magistralmente adornada  con los coros a los que Fania nos tiene acostumbrados. “Isadora formó la liberación. / Isadora Duncan, leyenda que no murió.” Créditos: Productor: Jerry Masucci Director: Johnny Pacheco Voz: Celia Cruz Coros: Tito Allen, Rubén Blades, Jimmy Sabater, Néstor Sánchez, Adalberto Santiago Johnny Pacheco, Héctor Casanova Trombones: Sam Burtis, Angel “Papo” Vásquez Bajo: Sal Cuevas Trompeta: Jimmy Frisaura, Louie Ortiz, Luis “Perico” Ortiz, Héctor Zarzuela Guitarra: Eric Gale Violín: Lewis Kahn Piano: Papo Lucca Timbales: Nicky Marrero Flauta: Johnny Pacheco Bongós: Roberto Roena 16.- ELIMINACION DE FEOS – ANDY MONTAÑEZ Y EL GRAN COMBO     “...a Yomo Toro y a Cheo, que se despidan del nene, / que la semana que viene van a eliminar los feos. (…) ¿Y por qué será que los eliminan? / -Es que nadie los quiere ni en las vitrinas.” "La universidad de la salsa", desde su primer disco “Menéame los mangos” en 1962, deja este testimonio de sutil ironía, graciosa letra y magistral musicalización. Los saxos y trompetas se dan la mano ante la delicia de los trombones, precisos, sencillos. Las cuerdas tienen lo suyo, para no dejar un espacio sin disfrute, con la impecable voz de Andy Montañez. Aunque la melodía es repetitiva no cansa; por el contrario, siempre me ha quedado corta. Dos minutos más no habrían sido demasiado. Flor Morales Ramos, autor de la letra, daba una muestra de amigable mofa a una larga lista de estrellas del entonces universo salsero de Puerto Rico, estilo que luego seguiría “No hay cama pa’ tanta gente” y otros -en mi opinión sin el ingenio ni la armonía de "Eliminación de los feos"-. Puede sonar a guaracha, quizá, pero para mí siempre ha estado en el estante de las mejores salsas. Hay en su lista de “afectados”: compositores, cantantes, promotores y productores. Pertenece al carril número uno de su disco “Gran Combo 5”, lanzado el 1 de enero de 1973, con 4:08 minutos de duración. "Joe Quijano ya te veo / diciendo adiós por las calles / pues según dijo John Valle / van a eliminar los feos (…) adiós Odilio González / ya se acabaron tus males / van a eliminar los feos.” Compositores: Flor Morales Ramos Voz: Andy Montañez. Dirección musical y arreglos: Rafael Ithier Producción: Ralph Cartagena 17.- AGUANILÉ – HECTOR LAVOE    “Todo el mundo reza que reza  pa' que se acabe la guerra, / eso no se va acabar, eso sería una rareza.” El álbum “El Juicio”(1972) podría ser en el catálogo cumbre de cualquier artista. Para Héctor Lavoe lo es también, aunque en menor medida, ya que el gran Héctor tiene al menos tres más de igual o mejor factura. Sin embargo, elegí “Aguanilé” por el valioso despliegue de congas, bongós y percusión, piano, trombones y trompetas. Y obviamente la espectacular voz de Lavoe. Las armonías y disonancias, intensas, acopladas, dan la pista para el baile y el goce. Compuesto por Lavoe y Colón, corre en el carril cinco, con 6:09 minutos, “Aguanilé” es el ruego a los dioses, mediante plegarias y versos tradicionales de la Fiesta de la Cruz. Créditos: Dirección: Johnny Pacheco Producción: Jerry Masucci, Willie Colón Congas: Milton Cardona Percusión: Gene Golden Coros: Justo Betancourt, Johnny Pacheco Bajo: Santi Gonzales Bongós: José Mangual Jr. Trombones: Eric Matos, Willie Colón Timbales: Luis Romero Piano: Joe Torres Ingeniero: Irving Greenbaum 18.- GUEDE ZAINA – OSCAR D’ LEÓN Oscar D’León entrega “Guede Zaina” (D.A.R), una canción en dialecto africano, para el sello Sony BMG en su disco “Fuzionando” (2006), carril ocho, 4:25 minutos. Antes había sido grabada en 1956 por Celia Cruz y la Sonora Matancera.  Grandes arreglos para este tema. Trombones que cubren las espaldas de los espléndidos coros. La voz del sonero siempre pulcra, muy bien trabajada. El ritmo, con base en los trombones deja también a los timbales su espacio, aunque sin avasallar. Las trompetas dan paso a Oscar para que frasee con su típica sabrosura. En adelante, las trompetas con reminiscencias de la Sonora Matancera, para combinarse en el clímax final. Créditos: Voz, coros, arreglos, producción: Oscar D’León Percusión: Daniel Berroa, Richard Bravo, Douglas Guevara Coros: Rodolfo Castillo, Beppe Gemelli, Piero Gemelli, Carlos Puchi Violín: Pedro Alfonso Bajo: Sal Cuevas Trompetas: Andrés Díaz, Luis Márquez, Dante Vargas Trombones: Jorge Dobal, Alberto Rodríguez Piano: Leonardo Medina Tres cubano: Omar Hernández Ingenieros: Juan Delgado, Yasmil Marrufo Mezcla: Javier Garza, Iker Gastaminza 19.- CONTRA LA CORRIENTE.- MARC ANTHONY “No hay noche que llegue,/ que yo no te sienta aquí.” El 21 de Octubre de1997 sale al mercado el tercer álbum de Marc Anthony: “Contra la Corriente”, sello Sony International, grabado en los estudios de RMM Records. En el segundo carril se encuentra “Contra la Corriente” (de Alfanno), con una duración de 5:00 minutos. El tema, una historia de nostalgias acumuladas pero también de rebeldía ante el destino deja en el sonido de la guitarra acústica la invitación al terreno de las trompetas, el piano y la percusión. Ellos acompañan la suave y entonada voz de Marc, quien luce su espléndido registro de tenor ligero con gran sensibilidad. Luego, en la segunda mitad, los trombones destacan con los coros, en una descarga de gran intensidad y belleza. El repertorio salsero de Marc muestra, sin duda, lo mejor del género en los tiempos recientes. Créditos: Trompetas: Luis Aquino, Ángel Machado Coros: Tito Allen, William Amparo, Wichy Camacho, Gilda Gonzales, Yanira Torres Bajo: José Gazmei Trombones: Moisés Nogueras, Miguel Rivera, Raffi Torres Teclado, arreglos: Fernando Muscolo Guitarra: Ito Serrano Percusión, bongó, timbales: Charlie Sierra Conga: William Thompson Ingenieros: Luis Berríos, Joe Caldas, Juan Covas, Héctor Iván Rosa, Ronnie Torres Productor Ejecutivo: Ralph Mercado Dirección Artística: Damaris Mercado Arreglos, dirección musical: Ángel Peña  20.- LA RUEDA – FRANKIE RUIZ “Tu rodarás porque ese es tu destino / sin encontrar nadie que te detenga…” Frankie Ruiz (Paterson NY, 1958) graba “La Rueda”(de Víctor M. Mato Argumendo) en su álbum “Orquesta La Solución” Sello TH-Rodven Inc, 1980, carril tres, duración: 6:24 minutos. Preeminencia de trombones tras la voz entonadísima de Frankie, bajos y bongós exactos. Con sencillos arreglos, este tema se convertiría en el ícono de la llamada “salsa sensual”, una corriente ochentera que le daría nuevos aires al género.  Trombones y coros llevan la voz de Frankie hasta el territorio de los inolvidables. Créditos: Voz & Percusión: Frankie Ruiz Bajo & Director: Roberto Rivera Piano: Edgar Vélez Timbal: Carlos Del Toro Conga: Jaime Rivera Bongó: José Bartolomey Batá: Papiro, Willie Trombones: Nelson Del Toro, George Rivera, Edgar Morales, Oscar Pastrana, Cuto Soto Coros: Santitos Colón, Mario Cora, Jaime Rivera Producción Musical: Ray Santos, Máximo Torres Productor: Iris Fernandez Director musical: Ray Santos Ingenieros de sonido: Jesús Sanchez, Pedro J. Gumbe Mezcla: Jesús Sánchez, Ray Santos, Julio César Delgado Para bailar o simplemente darse el placer de escuchar sin interrupciones, aquí el audiomix completo del presente resumen: