NEIL YOUNG

Neil Percival Young, o simplemente Neil Young (Toronto, 1945), ha sido definido como uno de los artistas más influyentes del rock.Como guitarrista y cantante Neil Young es indudablemente un referente. Cuatro décadas de su rock siguen circulando por las venas de músicos y melómanos. Acústica o eléctricamente; asentado sobre sus distorsiones y -en todas- entregado absolutamente a la música, Neil Young es el héroe inmortal de la guitarra -en mi opinión no tanto por su virtuosismo (los hay más virtuosos que él), sino por su originalidad-; una influencia inexorable para los que vivimos en el territorio de la música, provisto especialmente de su Old Black Gibson Les Paul. Yo mismo, no puedo evitar aplicar imaginariamente las improvisaciones de Young en las performances de otros grandes del rock. 

La música de Young es agridulce, obsesiva del detalle y la creatividad; su lírica es notable, quizás porque Young es un testigo. Testigo de todo: de su propia vida (una familia fracturada, la polio cuando niño, la epilepsia de joven, un aneurisma cerebral, fracasos amorosos, dos hijos con parálisis cerebral), del mundo, sus injusticias y rebeldías (cómo olvidar su magistral “Ohio”, testigo de las masacres de la Universidad de Kent y de la Plaza Tiananmen); del cambio climático, de las guerras, de la búsqueda del sonido, etc. Un testigo siempre creativo. Sus inicios en los sesenta, sus bandas: Buffalo Springfield, CSNY, Crazy Horses, Stray Gators; sus trabajos en solitario y con las colaboraciones de Linda Ronstadt, Emmylou Harris o Nicolette Larson; sus músicos: Danny Whitten, Billy Talbot, Ralph Molina, además de Still, Nash, Crosby, Furay; sus 55 álbumes entre 1966 y 2015, etc. lo retratan como icono del rock de todos los tiempos. Si bien Young -por motivos  comprensibles o no tanto- no apareció en los ochenta, resurgió por todo lo alto en los noventa. Y ello resulta más admirable y paradójico tratándose de alguien como Young, que desde los parámetros folk, tan clásicos, tan sesenteros, resulte hoy tercamente revolucionario. Su música forma parte de los cimientos, las estructuras del rock, cuya repetición e influencia siguen siendo trascendentes e invaluables. Por ello, su discografía es la historia de la revolución en muchos aspectos: social, cultural, económico, musical, etc. Por ello -en mi opinión- “Ohio”, “Heart of gold” “Cowgirl in the Sand” y “Hey hey, my my (Into The Black)” son las joyas de la corona.

Para cerrar esta parte, no hay que ignorar la opinión de una de las personas que más cerca ha estado y que ha hablado decenas de horas con Young: su biógrafo autorizado Jimmy McDonough. Él retrata al genial músico en Shakey: Neil Young's Biography (Author Books, A Division of Random House, Inc., 797págs.) como hiperactivo, caótico, despiadado, talentoso, inconformista, desconcertante..., además de generoso.

ALGO DE SU DISCOGRAFÍA MÁS VALIOSA

Su álbum Everybody knows this is nowhere (Reprise, 1969), puede considerarse su obra maestra. Épica, invaluable, absoluta. En él aparecen los exRockets -a partir de aquí Crazy Horse- acompañando magistralmente a un Young a partir de ahora solista. No hay palabras para describir esta mezcla de energía y sensibilidad en un rock country con su personalísimo sello. Canciones largas, con míticas improvisaciones donde nada es completamente dulce ni nostálgico, nada demasiado agrio ni salobre. De todos ellos se puede ver cómo el amor se convierte en riff en “Cinnamon girl”; o el “Everybody knows this is nowhere” se muestra nostálgica. En “Round & Round” que cantó junto a Robin Lane, Young se desplaza con gran sensibilidad sobre la melodía. “Down by the river” es una alegoría del amor y la muerte, lenta hasta el dolor. “The losing end (When You're On)” otro country rock para el amor fallido. Hay una cuota especial para el violín lastimero de Notkoff en “Running Dry”. Todo está en orden hasta ahí, pero dejamos el lugar especial para la fabulosa e emotiva “Cowgirl in the sand”, para mí la canción de este disco, donde la lírica de Young pasa a ser secundaria y hasta prescindible para ceder el paso a su guitarra, en un trance de casi diez minutos y nos deja en el alma un dibujo imborrable, lleno de sensaciones. 

Enseguida Neil Young nos regaló “Harvest” (Reprise, 1972), quizás su disco más mediático, al mismo tiempo el más esencial. No falta ni faltará en el playlist de mi vida. Una larguísima carrera de episodios dispares dentro del mismo disco. Balanceándose entre un folk/rock y country acústico u orquestado. Con la compañía de los Stray Gators Young impregna su genio en un vinilo de gran calidad. Quedan para el aplauso las míticas “Heart Of Gold”,  (grabado en Nashville), “Old Man”, (inspirado en Louis Avila, que trabajaba en su rancho Broken Arrow), "Are You Ready For The Country?”, “The Needle And The Damage Done” y por supuesto “Harvest”. Hay de amor y rebeldía, hay de Crosby, Still, Nash, Taylor y Ronstadt. Hay de la London Symphony Orhestra. Hay de todo para el espíritu.  

En “Rust Never Sleeps” (Reprise, 1979) Neil Young en directo  regresa a esa dicotomía, piedra angular en su trabajo: folk acústico con prevalencia de la melodía y rock eléctrico de intensa y terca   distorsión. Su lírica es notable en los distintos habitáculos desde donde Young nos habla. Para empezar, el magnífico hard “My, My Hey Hey..." En sus dos caras: "Out of the blue” (acústica) pero -para mí- la brillante “Into the black” (eléctrica) es la mejor. Dos regalos de un mismo tema. Luego “Powderfinger”, “Trasher”, “Pocahontas”. Aquí participan Nicolette Larson, Carl Himmell, Joe Osborne y sus amigos de Crazy Horse, crudos, salvajes y valiosos.    

“Neil Young” (Reprise, 1969), un infravalorado, estupendo disco editado en Reprise con cálidos sonidos pop, folk, country y atestado de memorables melodías. Una de ellas es “I’ve Been Waiting For You”, tema con sonidos fuzz guitar con Neil Young registrando su encuentro con una mujer que salvará su vida, una mujer que parece haber perdido una o más veces. 

“On the Beach” (Reprise, 1974) obtuvo poco éxito comercial, aunque con el paso del tiempo se convirtió en un favorito de la crítica: al respecto, el crítico Derek Svennungsen describió On the Beach como «hipnotizante, desgarrador, lúcido y turbio».

En “American Stars ’N Bars” (Reprise, 1974-1977), recomiendo “Like a Hurricane” 

“Freedom” (Reprise, 1989).- Recomendable “Rockin’ in the Free World”, año 1989, un disco crítico con la administración Bush. Resulta valioso este álbum porque puede considerarse su primera aproximación con el grunge. 

MI PLAYLIST:

HEY HEY, MY MY (INTO THE BLACK)

OHIO

HEART OF GOLD

COWGIRL  IN THE SAND

OLD MAN

ROCKIN' IN THE FREE WORLD

LIKE A HURRICANE

HARVEST MOON

DOWN BY THE RIVER

MI SELECCIÓN  PERSONAL 

BEBO VALDÉS, EL GRANDE

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

El viernes 22 de marzo pasado murió Bebo Valdés, el inigualable pianista cubano, a los 94 años de edad. Eligió para tal acontecimiento la hermosa Estocolmo, ciudad donde vivió por 40 años junto al gran amor de su vida, después de optar por el exilio en 1960. Creador, innovador, pianista excluyente, virtuoso y elegante, grandioso y humilde, afectuoso y firme, eximio transmisor de delicados y cálidos sonidos, Bebo, antes de su desarraigo, se codeó con los grandes exponentes de la música cubana y latina, Cueva, Romeu, Cachao, Moré, Getz, Cole, Gatica, Laserie. Con este último emprendió la gira que significaría su voluntario alejamiento de la isla para recalar en la capital sueca, tocando allí en hoteles y bares y asumiendo un corajudo anonimato después de haber vivido en la cima de la popularidad. Pocos tan valientes como él para comenzar desde cero.

En 1994 grabó con Paquito D’Rivera el que sería uno de sus mayores éxitos discográficos, el cual prácticamente significó el comienzo de su rescate como gran pianista: Bebo Rides Again. Poco tiempo después, el director y melómano Fernando Trueba lo contactó para participar en su ya legendaria película documental “Calle 54”, junto a grandes estrellas de la música latina como Michel Camino, Tito Puente, Paquito D’Rivera, Gato Barbieri, Israel López “Cachao”, Eliane Elías, Chano Domínguez, Jerry González y su propio hijo, Chucho Valdés. Fue este el momento de su real consagración, esta vez en todo lo alto del firmamento musical, contando con medios de difusión, inexistentes en los 60’s cuando su primer encumbramiento. Trueba colocó a Bebo frente a su hijo Chucho –otro gigante de la música cubana-, en un diálogo de pianos que ha pasado a la historia. Como relata el propio Trueba, padre e hijo se veían después de 10 años. Apenas se abrazaron tiernamente, fueron al estudio. Dieron a luz una incomparable versión de “La Comparsa”. Cuatro minutos y treinta y un segundos de deleite, sincronía de estilos, nobles silencios y valiosas miradas que lo saben todo de la música y del amor filial. Inolvidable la mirada, el gesto de Bebo, cediéndole el cierre a su hijo, quien encuentra las dulces notas finales de un épico dueto que difícilmente podrá repetirse.

Después del acierto de Trueba, le siguieron a Bebo más éxitos, premios y halagos. Todos muy justos, pero algo tardíos. Hizo con Diego el Cigala “Lágrimas Negras”. Le siguieron giras, entrevistas e invitaciones en todo el mundo, Grammys, discos de platino, pero ya Bebo había llegado a las postrimerías de su vida. Luego, como era de esperarse, se fue retirando silenciosamente, sólo para ceder ante el Alzheimer.  Sólo así dejó de dedicarle cada día sesenta minutos a repasar las escalas aprendidas 80 años antes.  

Su alojamiento temporal en Benalmádena terminó con un pedido muy suyo para retornar a Estocolmo, su paraíso, la ciudad que lo adoptó y que sería su aposento final, antes de partir al cementerio de los inmortales.

“Bebo rides again” fue una idea de Paquito D’Rivera que el gran Bebo supo aprovechar. A los 76 años compuso la mayoría de los temas en las últimas 36 horas y aunque él manifestó después que tal intensidad le había agarrotado los dedos, lo cierto es que su participación en el álbum es un dechado de virtudes. Cada tema es distinto, los arreglos sensacionales, Paquito enorme y Bebo gigante. Un disco de colección. Sólo recuerdo un paralelo por sus características: Kind of Blue, de Miles Davis.

Mis recomendaciones:

Anda (Bebo Valdés) 
Pa’ goza-(Niño Rivera) 
Pan con timba- (Bebo Valdés) 

Y especialmente estos dos duetos con su hijo Chucho. 
"Tres Palabras" (Oswaldo Farrés)



“Calle 54” - La película

(Nota.- La Comparsa, dueto de pianos de Bebo y Chucho se encuentra poco antes del final)

FICHAS TÉCNICAS:

Calle 54, documental infaltable para todo melómano.
Dirección – Guión : Fernando Trueba
Producción: Cristina Huete, Fabienne Servan- Schreiber, Fernando Trueba.
Música: Graeme Revell
Duración: 105 minutos
Año: 2000 

Bebo Rides Again (1994), sello Nuba Records, S.L.:
Piano, arreglos, mezcla, masterización y dirección musical : Bebo Valdés
Saxo alto y Clarinete, masterización y mezcla : Paquito D’Rivera
Trombón : Juan Pablo Torres
Trompeta y Fliscorno: Diego Urcola
Carlos Emilio Morales: Guitarra eléctrica
Joe Santiago: Bajo
Carlos “patato” Valdés: Congas y bongó
Gabriel Machado: Congas y bongó
Gerardo Rosales: Congas, bongó, güiro, maracas
Amadito Valdés: Timbales
Arreglos: Chucho Valdés

LATIN JAZZ MONTREUX 1980 - AFRO BLUE / MAMBO MONGO

Escribe: Rogger Alzamora Quijano 

El latin jazz se origina a comienzos de los años 40, pero es a finales de la década cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton refuerzan la mezcla de los sonidos afro cubanos con los del jazz norteamericano. Grandes músicos como Charlie Parker, Machito, Bauzá, Pozo, Santamaría, fueron aportando lo suyo a los desafíos que ya Armstrong, Calloway, Moten, por citar algunos, habían propuesto. Y es en 1947 cuando aquella fusión de ritmos y genios da su primer fruto en un mágico concierto en el Carnegie Hall (con Gillespie, Pozo, Calloway), que ha pasado a la historia por su valioso testimonio de la influencia afro cubana para la música en general.

Dizzy Gillespie apostó decididamente por el naciente género y logró indudables piezas de colección. Ramón “Mongo” Santamaría, genial percusionista y compositor cubano, ha brindado piezas de culto en el género. De estilo muy personal, único, con predilección por los graves, Mongo propagó el sonido de sus congas por todo el universo musical, comenzando por Nueva York. Ahora se puede decir que el sonido afro cubano es indispensable en todo género.

El Latin Jazz se basa en la clave afro cubana marcada por congas, timbal y güiro. Esa es su diferencia esencial y espiritual  con el jazz tradicional. Luce su calor trepidante, exotismo, sensualidad y alma latinas. Alimentada por ese sabor festivo, el jazz latino o latin jazz se eleva difundiendo sus propias sensaciones, exaltación y trance. A ese nivel se llega con la sensacional trompeta doble tempo de Gillespie y la percusión inequívoca de Santamaría. Ciertamente hay temas grandiosos de ambos juntos y por separado, pero hoy me permito elegir. La convergencia de Mongo y Dizzy, esta vez con la compañía del virtuoso Toots Thielemans es un regalo para la música. Tres apasionados, dos escuelas distintas pero congruentes. Genios de la música, alimento para el espíritu de la humanidad.

SUMMERTIME

1.- AfroBlue   (John Coltrane/Mongo Santamaría) - Mongo Santamaría, Dizzy Gillespie y Toots Thielemans

2.- Mambo Mongo (William Allen) 

PLAYLIST BONUS TRACK

Dejo uno de Mongo y Orquesta y otro de Dizzy y Orquesta -y con Chano Pozo-, es decir, cada cual en lo suyo. 

Sofrito  - (Neal Creque)

Manteca - (Gillespie/Pozo/Fuller)

Comparto mi total disfrute con mis queridos lectores. Ninguna duda sobre la altura del mejor latin jazz. Y para cerrar, la orquesta del gran Machito (Francisco Raúl Gutiérrez Grillo) y su “Congo Mulence”, espectacular muestra del por qué el latin jazz tomó su pedestal en el mundo. Aunque el post trata de Dizzy y Mongo, nadie podrá reprochar que haya incluido este plus.

Congo Mulence - (Ahmad Kharab Salim / Machito)  

*Ficha técnica:

SUMMERTIME – Originalmente lanzado en vinilo, sello Pablo, (2308-229). Grabado en vivo por Ron Wynn en Mountain Studios, Montreux, Suiza, el 19 de julio de 1980. Remasterizado digitalmente por Phil De Lancie, Fantasy Studios, Berkeley 1991.

Lado A - Virtud, Afro Blue
Lado B - Summertime, Mambo Mongo

Músicos: Mongo Santamaría, Dizzy Gillespie,Toots Thielemans, Berríos, Villarini, Harris, Hoist, Hamilton, Smith,

SELAH SUE, EL FUTURO DEL SOUL

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Cuando la escuché por segunda vez recién supe su nombre. Aquella noche me terminó de cautivar. Su voz sensacional, su don de interpretar con extraordinaria soltura temas complicados me llevó hasta Sanne Putseys, Selah Sue para los melómanos; nacida en Lovaina, Bélgica en 1989, quien comenzó a escribir canciones apenas a los 15 años. Así viene su soul, funk y reggae. También, por cierto, lleva algo de su padre jamaicano. Y sin duda, de Bob Marley Selah Sue tiene el tinte negro en su voz pues, en efecto, Selah Sue aunque blanca, ojiazul, pecosa y rubia; tiene voz de negra: potente, sensual, generosa, salvaje, profunda, ágil, matizada. En su amplia gama de sonidos, Selah Sue tributa al blues tanto como al reggae. Su rapeo es natural, su desinhibido estilo nos lleva a la sensibilidad, sólo para recogernos hasta un efusivo ritmo caliente y enérgico. Me gustaría, sin embargo, que grabara temas un poco más largos, que superaran los 7 u 8 minutos. Sueño, por ejemplo, con This World, Crazy Vibes o Peace of Mind en esa extensión. A veces me deja incompleto, sin una gracia que, siento, me ha sido arrebatada.

Selah Sue ejecuta pulcra, a la vez que osadamente, sus notas. Su voz es única. No exagera la sensualidad, no grita, no persiste en melodías transitorias. Cuida los silencios tanto como las armonías, llena con su genio cada una de sus creaciones. De hecho tiene la escuela de Erykah Badu, pero al escucharla me convenzo de que le falta nada -o muy poco- para estar al nivel de ella o de otras encumbradas. Y de sus letras no podemos decir menos. Su gran facilidad para expresarse es notable: And hey there little girl / wake up and see / and take your time to grow / cause that is what you really need. (Mommy). O: I fear real danger/ this world ain't simple/ but I'm strong, I know how to get out/ and I'll find my way cause/ Cause it's love, real simple/ and that's how it works. (This world). Como puede leerse, cada palabra está muy bien puesta.

Tiene apenas dos años en el firmamento, pero ya Selah Sue es una estrella que brilla con potente luz. No es un riesgo apostar por su rutilante carrera, que de hecho significará un viento fresco para el saturado y monótono escenario de estos tiempos. Ragamuffin es su tarjeta de presentación, pero desde allí, Selah Sue ha llenado de hitos su joven trayectoria. Ella dice que la música le divierte, y pone en duda que pueda seguir si eso cambiara para mal. Esperamos que siempre la divierta, porque eso significará diversión también para nosotros, sus acólitos.      

Hoy me quedaré sin el peso que cargaba desde abril de 2012. Aquella noche, en la pantalla del bar Times Square, en Königsbrücker Straße, Dresden, se escuchó a mis espaldas una voz que me había dejado una rápida huella poco tiempo atrás. En la mesa todos nos quedamos en silencio. La música nos juntó en un único gesto de mirar y escuchar. Era Selah Sue cantando This world. Yo guardo ese momento.  

Hay nuevas voces en el soul: Alice Russell, Adele, Sharon Jones, la desaparecida Amy Winehouse, Estelle, Mette Lindberg, Joss Stone, Leona Lewis, etc. Cuestión de gustos. Para mí Selah Sue se diferencia de todas, excepto claro está de Amy, de quien sospecho está muy cerca, pues como ella, Selah Sue ha sabido tender el esquivo puente entre la magia y su voz.

Recomiendo especialmente:

This World.- I feel real passionate/ you feel the sun comes down,/ I'll make it shine, yeah.

Crazy Vibes .- I was always on the run I tell ya, it was not an easy road / but now I’m ready to bring joy and fire, the best things in life, for sure/ I do know what it’s like to feel sad all the time/ but, you see, wicked vibes bring that joy in your life.

Raggamuffin.- So this my song for you my friend / you can only see that I can hardly let things go, no oh yeah/ so listen to the sound of my voice, yo brother send him all my love.


Mommy .- ’Cause once a day your voice is everything I need /  and all the things you’ve done gave me power to succeed / I fell so many times but you pulled me through / but in time I’ll find myself yeah, I hope you see that too. 

Explanations .- But when we glitter surprise, surprise / nothing to detect in my eyes / no reason why I feel so damn depressed.

Igualmente valiosos:

Break, Summertime, Crazy sufferin style, Fade Away, entre otros muy buenos también.

MEJORES VOCES DEL SIGLO

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Esta es una clasificación arbitraria de las seis mejores voces de la música popular en la historia. Algunos o muchos discreparán de mis elegidos, otros estarán de acuerdo conmigo. La controversia siempre será saludable, tal como el respeto a todas las opiniones.  

Michael Jackson.-  Durante mucho tiempo logró alcanzar una tesitura vocal de cuatro octavas, a la que añadió la extraordinaria cualidad de mejorar sus notas bajas, lo que lo convierte en un superdotado.  Mucho de sus grandes portentos vocales y musicales se deben seguramente a su legendario oído absoluto, aquello que le remitía a la memoria auditiva de inmediato, y sin necesidad de apoyo o referencia. Michael estaba clasificado como contratenor, pero además poseía ritmo y dicción excepcionales. Técnicamente, Jackson podía desplegar la nota B5 como la más alta y la E2 como la más baja. Es decir su amplitud llegaba a las 44 notas. Además, su perfeccionismo lo llevaba a exigirse en la obtención de la mayor ductibilidad, llevando sus canciones hasta provocar el paroxismo en sus oyentes. Michael Jackson ha sido objeto de numerosos estudios, pero también de especulaciones acerca de su increíble registro vocal. Se ha dicho de él, desde que se trataba de un castrati, hasta que su voz era producto de químicos. Lo cierto es que en sus últimas apariciones públicas se le seguía escuchando altísimas y afinadas notas. Quizá por ello, pero además porque se trataba de un verdadero maestro de la música, el canto y la danza, ha logrado establecerse para siempre en la historia. 

Freddie Mercury.- Las tres octavas y una sexta mayor del registro vocal de Freddie Mercury, lo colocan entre los más grandes cantantes de música popular del mundo. Máxime si nuestro recordado vocalista y líder de Queen, poseía además extraordinaria afinación, limpieza, potencia y emotividad. Cuando se encontraba en la cúspide de su carrera fue clasificado como un barítono ligero que cantaba en la tesitura de tenor. Por ejemplo, en “Somebody to love” muestra su gran registro de cabeza, con comodidad y limpieza.  Al final, terminó adecuándose una tercera menor por debajo de su registro anterior, pues se decía que sufría de nódulos. Eso es entendible ya que Mercury nunca tomó clases de canto. Se puede muy fácilmente entender como falsete sus agudos más intensos. No es su culpa que Mercury pueda pasar de modo imperceptible (para los oídos no entrenados) desde la voz de cabeza a la de pecho. Y es que Freddie Mercury era capaz de alcanzar registros de Bb4 sin esfuerzo alguno. Así pudo regalarnos grandiosas interpretaciones, por lo general resumidas por su gran público en sus más populares temas como “Bohemian Rapsody”. Freddie Mercury añadía a su registro vocal, un carisma superlativo, el don de comunicarse intensamente con sus oyentes y la versatilidad para interpretar ritmos y mensajes de distinta índole en un mismo concierto.

Robert Plant.- De poderosa e impactante voz y amplio registro vocal, el vocalista de Led Zeppelin, indudable influencia en cantantes contemporáneos a él y también en posteriores.  Su estilo único de agudísimos tonos, casi falsetes, sensuales gemidos, impostaciones, ritmos cambiantes, además de una amplia tesitura vocal, todavía asombra y conmueve a todos. El mejor Robert Plant -como pocos- sabe llevar al público desde un estado frenético, visceral, galopante, hasta uno tibio y susurrante. Nacido vocalmente en los predios del blues, Plant sembró las bases del hard rock, hasta convertirse en un ícono de este. Devoto del riff, activista de la sensualidad y la explosión eufórica, obsesivo del ritmo y la afinación. Axl Rose, Rob Halford, Bruce Dickinson,Steven Tyler, Chris Cornell, Paul Stanley, pueden considerarse entre sus deudores vocales, entre tantos otros.

Louis Armstrong.- El genial músico y cantante de jazz, creador insondable de técnicas depuradas y altamente sofisticadas con su voz, única, irrepetible, trascendente. Maestro del scat, forma de improvisación que lleva la voz hasta los terrenos de un instrumento y que no está dado a cualquier cantante -para lograrlo se requiere gran virtuosismo, oído excepcional y creatividad-. Hay leyendas sobre quién fue el creador del scat, varias de ellas coinciden en que el gran Louis lo fue. No nos detendremos en la anécdota, pero sí aseguramos que fue su mejor exponente, sin duda alguna. Frank Sinatra fue otro, pero a mi entender está por debajo de Armstrong. La voz del gran “Satchmo”, grave, quebrada, intermitente, potente y educada hasta los límites, lo distingue de todos los demás y reafirma su estilo gravitante dentro de la música en toda su historia. Armstrong puede ser catalogado como barítono atenorado, pero lo esencial de su voz reside más bien en el color fascinante que le imprimió a sus interpretaciones, además de la vibrante personalidad que inundaba los escenarios. Duke Ellington lo llamó “El señor del Jazz, su máxima expresión”.

Elvis Presley.- Se le ha catalogado en muchos estudios especializados como la mejor voz de la historia del canto. Sea cierto o no, creo que depende el oído de cada uno, pero la excepcional versatilidad que abarcaba al interpretar desde el góspel hasta el rock, el country o baladas teñidas de blues, lo deja en el lugar de siempre:”El Rey”. Su rango vocal llegaba a las dos octavas y un tercio (y hasta tres, como en “What now my love”). Se diría que estaba entre barítono y tenor. De ritmo sin igual, su color de voz puede transitar una amplísima gama, desde los muy graves hasta los agudos, de forma que podía desarrollar las más impredecibles interpretaciones sin exigirse demasiado.  Incluía en ello tonos sensuales y provocadores, para después recalar en gruñidos y arrastres rasposos o gritos. Por ello su público deliraba, perdía la noción de la realidad y pasaba a un estado de trance y éxtasis masivo. Era su voz y su magnetismo histriónico, su posición en el escenario, su rebeldía.

Frank Sinatra.-  Llamado: “La voz”. Nadie podrá regatearle al maestro el lugar privilegiado que ocupa entre los cantantes más grandes de la historia de la música popular. El poder de su voz de barítono no estaba solamente en sus cualidades técnicas que las tenía en abundancia, sino por su capacidad de interpretación. No era de mucho movimiento, más bien tenía una sutil manera de comunicar lo que cantaba, quieto, mirando fijamente, apenas con el micrófono en la mano, lanzaba una voz uniforme en todos sus rangos, limpia y magnífica, elegante y sobria. Podía provocar el llanto en sus oyentes cuando cantaba. Ha tenido gran influencia entre muchos cantantes posteriores a él, por citar uno: Michael Buble. Su aterciopelada voz, combinación de tórax, cuerdas vocales y laringe, inundaba de caricias el auditorio. Su parafraseo y control de la respiración son ya míticas, máxime si hay que recordar que usualmente él cantaba con big band, es decir una gran orquesta, sobre las que él terminaba imponiendo su potente voz.

JOSÉ ALFREDO JIMÉNEZ: "ELLA", UNA VERSIÓN DIFERENTE

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

“José Alfredo Jiménez fue, es y será México” . Nunca ha sido menos cierta la frase que Facundo Cabral (1937-2011). Es verdad que hay otros nombres que son también México, como Agustín Lara, Pedro Vargas, Pedro Infante, María Félix, Chavela Vargas, Luis Miguel y varios etcéteras, hablando únicamente de música popular.

Las canciones de José Alfredo (1926-1973), son básicamente rancheras. La gran mayoría de vibrante música y extraordinaria lírica. “Amanecí en tus brazos”, “El rey”, “Pa’ todo el año”, “Yo soy aquél”, son algunas de las más de trescientas canciones que inmortalizó. Hay un tema que particularmente me gusta, más que todas las del gran José Alfredo: Ella. La letra, llena de poesía sencilla, me conmueve de modo único en la voz de Facundo Cabral -el trovador argentino-, cuya forma de interpretar se dirige directamente a lo más profundo de la sensibilidad. Estoy seguro que –como yo- quienes la escuchan inevitablemente piensan en alguien, en algún tramo feliz e imperecedero de sus vidas, y no pueden escapar de los recuerdos hasta mucho después de haber escuchado el último acorde de la canción.

Me cansé de rogarle. Con el llanto en mis ojos alcé mi copa y brindé por ella,
No podía despreciarme, era el último brindis de un bohemio por una reina.

Grabado en dos discos: "Este es un nuevo día" y "Reflexiones", Ella suena -en la voz inconfundible y serena de Facundo Cabral- más universal, exenta de artificios y sin la parafernalia musical que ofrecen los mariachis (sin que eso signifique minimizar o desdeñar su importancia en la música mexicana). Facundo y su guitarra le dan otro valor a Ella: el de unas letras profundas, el de una notable canción.
Aún con la temática del dolor y el alcohol, es decir, la superficialidad, que caracterizan a muchas de las canciones de José Alfredo, la versión de Facundo la rescata y la instala en otro más profundo y significativo: el de la poesía. Creo que José Alfredo se siente más que contento con esta interpretación del gran Facundo.

(...) de mi mano sin fuerza cayó mi copa, sin darme cuenta.
Ella quiso quedarse cuando vio mi tristeza,
pero ya estaba escrito que aquella noche perdiera su amor.

Aquí el precioso tema:

LEONARD COHEN

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Pensé escribir este post sobre dos personajes de la música. Uno de ellos: Leonard Cohen (Montreal, 1934). Después de revisar mis apuntes y escuchar su música por algunos días, me he convencido de hacer esta nota únicamente sobre él. Cohen tiene historias que contar -algunas propias, otras ajenas- pero que siempre terminan calando profundamente en el alma. Ha ido engrosando su entonada voz, quizá en la búsqueda de una mayor profundidad, como la que parece haber alcanzado limpiamente en su madura edad. Su álbum Old Ideas es la muestra más cercana, pero no la única. Cohen trata de ironizar en el momento en que más siente dolor y ausencia. Sus melodías transitan la nostalgia cabalgando sobre su voz áspera y dolida, que transmite una necesidad de conformarse con sus historias. Sus letras son poemas básicamente crudos que van a parar muchas veces al destino más profundo del alma. Íntimas confesiones que en su voz alcanzan el tono preciso. De hecho, sus letras provienen de su sempiterna devoción por la literatura y García Lorca, pues antes de cantante y compositor, Cohen fue poeta y literato. Domina la narración en tercera persona tan magistralmente como una especie de ironía nostálgica que lacera y conmueve. Hay miles de imágenes desgarradoras en la penumbrosa música de Cohen. Lastima, hiere, duele sentirlo desarraigado, desposeído o inerme, aunque siempre parado firmemente en la conciencia, en la realidad, en lo tangible. La voz de Cohen se hace más grave y su música se desliza por el virtuosismo y la complejidad, sobre violín, trompeta, guitarra o mandolina, pero además llena el espíritu con las fabulosas voces de sus coristas, damas ellas, que envuelven con sus mágicas y dulces voces.

Puede oírse a Leonard Cohen reprochar al mejor amigo haber seducido a su mujer y, sin embargo, hablarle con ningún rencor y sí con despiadada ironía: And what can I tell you my brother, my killer / What can I possibly say? / I guess that I miss you, I guess I forgive you. / I'm glad you stood in my way. / If you ever come by here, for Jane or for me / Your enemy is sleeping, and his woman is free. (Famous blue raincoat)
Va de una historia a otra con igual maestría. En A Partisan, ejecutada magníficamente en inglés y francés, narra la historia de un hombre que va por la venganza hacia los nazis. También aquí como en otras, Cohen prescinde de los instrumentos, en favor de sus coros femeninos, precisos… y preciosos: Oh, the wind, the wind is blowing, / through the graves the wind is blowing, / freedom soon will come; / then well come from the shadows.
En Amen, la trompeta suena celestial en una melodía lenta y casi dolorosa. Más tarde se incorpora el punteo cadencioso de la guitarra acústica que está a la altura. Y por supuesto, la voz exacta y afinada de Cohen, quien desglosa su plegaria: Tell me again when i'm clean and i'm sober. / Tell me again when i've seen through the horror. / Tell me again, tell me over and over. / Tell me again that you need me then / amen, amen, amen... amen.
Descubrir en la ironía y desparpajo de Chelsea Hotel la nostalgia soterrada pero sincera de la irremediable huida del ser amado y ante la urgencia tácita por retenerla, nos muestra a un Cohen que parece estar fumando un cigarro, resignado a mirarla partir desde la ventana en su limusina, quizá ya habiéndolo olvidado todo y para siempre. Transcurre la segunda mitad de los sesenta en Nueva York y es el homenaje a Janis Joplin desde el estilo de Leonard Cohen.
I remember you well in the Chelsea Hotel. / You were famous, your heart was a legend. / You told me again you preferred handsome men. / But for me you would make an exception. / And clenching your fist for the ones like us / who are oppressed by the figures of beauty, / you fixed yourself, you said, 'Well never mind, / we are ugly but we have the music. Intentando una traducción libre: Te recuerdo bien en el Chelsea Hotel / Ya eras famosa, tu corazón era una leyenda. / Volviste a decirme que preferías hombres bien parecidos / pero que por mí harías una excepción. / Y cerrando el puño por los que como nosotros / están oprimidos por los cánones de la belleza, / Te arreglaste un poco y dijiste: “No importa, / somos feos pero tenemos la música”.
Leonard Cohen, Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2011, ya lo ha demostrado todo en su larga carrera. Todo el mundo sabe de su ingenio y su don comunicador, sin embargo nos sorprende con Old Ideas (2012), su reciente álbum y ojalá no el último. Hay que llevar hasta el paladar cada línea, cada acorde. Prolijo en la música y, como lo es ya desde siempre, en su lírica; sonido de alta calidad, asentado en los graves y en los coros. Como para dar cuenta de que las viejas ideas pueden ser nuevos retos; asumiendo su larga experiencia de vida por encima de la mera cuenta de los años en el calendario. Cohen ha dado un golpe magistral con este disco, pues recupera su espacio y ahora en un lugar mucho más privilegiado que antes; porque su poesía habla de todo lo que se puede ver y sentir. Ha engrosado dramáticamente su voz, pero sigue siendo cuidadoso en la afinación y puede atraparnos al menor intento cuando comienza a ejercer el oficio de cantar su poesía.

Top 10:



Para seguir escuchando: Dance me to the end, So long Marianne, Take this waltz, The future, Sweet Jane, Anyhow, Come Healing, A Partisan.

GIL SCOTT-HERON, EL PATRIARCA

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Gilbert (Gil) Scott-Heron (1949 -2011) destaca entre los más influyentes músicos que han trazado rumbos decisivos para los ritmos actuales, sin duda. Ha sabido establecer puentes con quienes hoy nos sorprenden y emocionan. He podido encontrar influencias casi tangibles de Scott-Heron, por ejemplo en Calle 13, Eminem, 50 cent, Sarah Jones, D. Albarn, entre otros.
Su poesía atiborrada de imágenes y rebeldía, su matiz armónico muy claro y complejo; el mensaje siempre confrontacional que sus letras llevan y que contrasta con una melodía armoniosa, sutil y muchas veces plácida, son algunas cualidades muy suyas.
A veces usando recursos electrónicos, flauta traversa de gran exactitud, timbales, cencerros, o metales indubitablemente sesenteros, Scott-Heron desplegó su imaginación hasta crear nuevas sensaciones. Nuestra labor no es recaer en sus rebeldías u opciones políticas, sino trasuntar hacia la médula misma de su armonía e inspiración artística.
Su gran versatilidad otorga a sus temas una gran fuerza y originalidad. No se puede decir que su música se parece tanto que aburre. Scott-Heron pretende sorprendernos con sus letras y su música. Y lo logra. Desde el soul como trinchera, transita todo tipo de territorios y en todos muestra su sapiencia. En: New York City, por ejemplo matiza su ritmo cadencioso con un tramo de latin-jazz estrepitoso y alegre, como para recordarnos la ralea latina que tiene hoy la gran urbe.
También nos regala reminiscencias de reggae. Luce con desparpajo sus parentescos musicales con Waits, Heavens, Marley y evoca a Burdon & War. Sin embargo, sus letras marcan diferencia con todos ellos. Cáusticas o dulzonas, pero siempre con fuerte carga poética.
You will not be able to stay home, brother. / You will not be able to plug in, turn on and cop out. / You will not be able to lose yourself on skag and skip, / Skip out for beer during commercials, / Because the revolution will not be televised.
(No podrás quedarte en casa hermano, / no vas a poder enchufar, sintonizar, ni echarte pa'atrás, / no podrás estar enganchado, alucinado y lanzarte / por las cervezas en los comerciales / porque la revolución no se televisará.)
(The revolution will not be televised)
Su activismo sólo deja espacio para una poesía redentora, que lanza salvavidas y persuade, que suplica y comprende, que se solidariza con la soledad y la envuelve en un abrazo.
I know you've been hurt by someone else / I can tell by the way you carry yourself / But if you let me, here's what I'll do / I'll take care of you.
(Puedo ver que te acaban de herir, / Por la forma en la que te mueves. / Pero, si tú quieres, / yo puedo cuidar de ti.)
(I'll take care of you)
Es Gilbert Scott-Heron, el patriarca del rap pero, sobre todo, un incansable transeúnte de la melodía y la poesía: dos de los más preciosos territorios del arte.

Top 5:

The Bottle.-



I´ll take Care of you.-

The revolution will not be televised.-

No knock.-

Running.-

Imperdibles:

A very precious time
Angola Louisiana
Inner City Blues
Me and the Devil
Lady day & John Coltrane

QUEEN Y FREDDIE MERCURY

Escribe: Rogger Alzamora Quijano


Bajo el nombre de Queen se inaugura uno de los momentos cumbres de la música popular. La célebre formación -originalmente fundada por el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, luego el cantante/pianista Freddie Mercury y finalmente el bajo John Deacon- mostró que el virtuosismo musical, la depurada técnica y la cuidada ingeniería del sonido son más valiosos cuando se desafían nuevos horizontes. Habrá todavía lugar para la influencia de Queen en el rock (heavy, hard, progresivo, folk, glam, sinfónico y demás) por mucho tiempo aún.
La música de Queen se sostiene en la voz de Mercury, pero está hecha para que el bajo asuma roles protagónicos (Another one bites the dust, por citar uno solo)atacando la melodía con gran decisión. También en las geniales notas de May (en la Red Special, guitarra fabricada -se dice- por él mismo). Memorables solos en Bohemian Rhapsody, Don’t stop me now, I want to break free, Play the game, The show must go on, I want it all y otros. Taylor es el complemento vital para el grupo, sus baquetas enmarcan con precisión y destreza.
Mercury va desde la sublime nota hasta la casi esquizofrenia vocal, sin perder ninguna nota, sin temor a las alturas, sin transigir en absoluto. Desde Bohemian hasta Heaven for everyone, pasando por We are the champions, Mercury lanza su propuesta emotiva y sólida, plagada de recursos y matices, plena de armonía y seducción. No deja espacio para el sosiego, siempre invita más allá, sólo para seguir colmando plenamente las expectativas.

ESPACIO APARTE: FREDDIE MERCURY

Si hubieran transcurrido ya todos los tiempos Freddie Mercury (con nombre de pila: Farrokh Bulsar) ocuparía el primer lugar entre los cantantes de música popular y quizá el de uno de los más influyentes músicos en cualquier género. Su registro (tenor/barítono) suele ser impecable y limpio ante las más altas exigencias, por más que al final de su carrera fuera reemplazando las notas agudas por octavas un poco más predecibles.
Es de suponer que tremendo bagaje de cualidades vocales y musicales fueran a desencadenar una lluvia de magistrales composiciones. Mercury ha compuesto gran parte de lo más representativo de Queen: Bohemian Rhapsody, We are the champions, Killer Queen, Don’t stop me now, Play the game, entre otros. Sólo su genio musical puede explicar que a pesar de sus dificultades para leer música haya escrito temas de gran complejidad.

Dichosas las últimas trescientas mil personas que el 9 de agosto de 1986 vieron a Mercury y Queen en Knebworth. Veinticinco años después de aquél acontecimiento y veinte después de su partida al Cementerio de los Inmortales, el asiento vacío de Freddie Mercury en el salón de los genios vivos nos llena de nostalgia.

Top

1.- Bohemian Rhapsody.- Con una cuidadosa mezcla de los canales de sonido, con el fin de deleitar al oyente, Mercury interpreta su más alucinante logro, matizándolo con artificios sonoros, gran derroche en los elaborados coros y la guitarra de May, realmente magnífica.

2.- We are the Champions.- La cadenciosa y sublime voz de Mercury que de pronto los coros empujan a la emotividad más frenética. En el piano vital se imagina la espera, la ilusión, para terminar envolviéndonos en la celebración total.

3.- Don’t stop me now. – Pleno de virtuosismo y calidad. De los mejores de Queen, sin duda. Gran variedad en los recursos para su construcción. Cada parte del tema está conectado con la esctructura. De haber sido otro y no Mercury y Queen quien lo creara e interpretara, seguramente este tema pasaría a ser uno más del lugar común.



4.- It’s a hard life.- Aparentemente convencional en su médula, hasta que Mercury decide llevarla hasta los cielos. Puede ir desde hard hasta la sinfonía sin dejar heridas auditivas.

5.- I want to break free.- Trepidante y emotiva, apoyada en Mercury, May y Taylor. Sus sensacionales armonías invitan a acompañarla en el ritmo, desde cualquier rincón y en cualquier momento. Basta escuchar sus primeros acordes para seguirla con placer.

6.- Killer Queen .- Desde un magnífico diseño del engranaje, la voz de Mercury nos conduce por sus intrincados arreglos. Paradas intempestivas que desembocan en grandes melodías y coros, una guitarra sin complejos y más bien arriesgada que lleva a la percusión hasta el disfrute. Al final deja la sensación de que falta algo más.

Igualmente brillantes: 

Play the game
Somebody to love
The Miracle
It’s a hard life
Friends will be friends
I want it all

AMY WINEHOUSE INMORTAL

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Amy Jade Winehouse (Londres 1983 – 2011), fue y será una reina del soul en todos sus extremos, la diva de un thrash único, que sin duda trascenderá los tiempos, los ritmos y las modas musicales. Su excepcional talento para incorporar notas subyugantes, destinos vocales irrepetibles y consonancia espiritual con sus melodías. Rebelde y radical, humilde y desdeñosa, insuperable y caótica como todo ser humano que se respeta. Amy Winehouse no está muerta. Cinco Gramys después y con millones de perplejos fanátic@s que no se cansan de admirarla y adorarla, seguirá en la palestra; no habrá quien la destrone.
Su voz, un compendio de graves rudos y a la vez sublimes, dista de ser un lugar común aún entre los que la tratan de llevar hacia un metal psicodélico. Amy eligió para su voz y espíritu un thrash generalmente vestido de soul y R&B.
Trepidante y sincera, provocadora y leal con sus principios, Winehouse ha sabido capitalizar todos los talentos que recibió. También por cierto, el de su vida libre y libertina. Su elección valiente de las sensaciones y pasiones por sobre la ecuanimidad y la hipocresía. Todo ello ha formado parte de su personalidad y ha sido en Amy Winehouse, cotidianamente la causa de su vida… y de su muerte.
De hecho, ya se encuentra en el mismo inmortal cementerio donde también moran: Jimi Hendrix, Jim Morrison, Billie Holiday, Janis Joplin, John Lennon, Elvis Presley, James Dean, Michael Jackson, Héctor Lavoe, Kurt Cobain, entre otros.

Top:

You know I´m no good.-



Rehab.-

Cupid.-

Tears dry on their own.-

In my bed.-

Will you still love me tomorrow.-

Love is a losing game.-

Do me good.-

Addicted.-

Wake up alone.-

CAT STEVENS, EL EXILIADO

Escribe: Rogger Alzamora Quijano


Cat Stevens (Steven Demetre Georgiou, Londres 1948), es un cantautor de culto (quizá) a pesar de sí mismo. Ha tratado sin éxito de autoexiliarse de la música popular, pues la memoria colectiva lo ha mantenido siempre vigente. Sus canciones son absolutamente imprescindibles para entender el fenómeno único y tal vez irrepetible de los años 60, 70 y 80. Su voz inconfundible que siempre logra establecer una especial conexión con el público lo hace único e inolvidable a pesar del tiempo. Sus melodías cargadas de ideales y misticismo están de algún modo relacionadas con su ascendencia greco-chipriota tanto como con su espíritu romántico.

El Cat Stevens, hoy rebautizado como Yusuf Islam, que abandonó el negocio de la música –más no la música en sí, pues sigue escribiendo e interpretando canciones, por más que éstas se reduzcan a un ámbito religioso- se rebeló contra la guerra y optó por adscribirse a las causas de la niñez necesitada. Y es, a despecho de su repudio por la industria discográfica comercial, ícono insustituible del mejor pop de la historia.
Es indudable que para los melómanos el mejor Cat Stevens se termina con Yusuf Islam, pero ello no menoscaba su influencia sobre la música. Aún ahora se sienten sus letras y su melodía vibrante, sutil y penetrante. Entre el 70 y 72 Stevens logró su más alto nivel. Álbumes como: Mona Bone Jakon, Tea for the Tillerman, Teaser and the Firecat, Catch Bull at Four. Su voz entonada y melancólica que descansaba generalmente sobre su guitarra acústica, le da un sentido especial a sus letras de profunda belleza.
Cat Stevens es un cantautor de culto, por más que le aborrezca serlo.

Top 6:
(Traducciones sugeridas)

Sad Lisa.- She hangs her head and cries in my shirt. / She must be hurt very badly. / Tell me what's making you sadly? / Open your door, don't hide in the dark.
Ella baja su cabeza y llora en mi camisa. / Ella debe estar muy mal herida. / Dime ¿qué está causando tu tristeza? / Abre tu puerta, no te escondas en la oscuridad.

Father and Son.- Look at me, I am old, but I'm happy. / I was once like you are now, and I know that it's not easy,/ To be calm when you've found something going on. / But take your time, think a lot / Why, think of everything you've got. / For you will still be here tomorrow, but your dreams may not.
Mírame, yo soy viejo, pero estoy feliz. / Yo fui como tú, y sé que no es fácil, / con tranquilidad puedes encontrar lo que buscas. / pero tómate tu tiempo, piensa mucho, / piensa en todo lo que tienes. / Por ti estas cosas estarán aquí mañana, pero puede que tus sueños ya no.

Moonshadow.- And if I ever lose my hands, lose my plough, lose my land, / Oh if I ever lose my hands, Oh if.... I won't have to work no more. / And if I ever lose my eyes, if my colours all run dry, / Yes if I ever lose my eyes, Oh if.... I won't have to cry no more.
Y si yo alguna vez pierdo mis manos, pierdo mi arado, pierdo mi tierra, / Oh, si yo alguna vez pierdo mis manos, Oh si.... yo no tendría que trabajar nunca más. / Y si yo alguna vez pierdo mis ojos, si mis ojos estuvieran secos, / Sí si yo alguna vez pierdo mis ojos, Oh si.... no tendría que llorar nunca más.

Peace Train.- Oh I've been smiling lately, dreaming about the world as one / And I believe it could be, some day it's going to come / Cause out on the edge of darkness, there rides a peace train.
Oh, he estado sonriendo últimamente, soñando con el mundo tal como lo quiero / Y creo que puede ser, algún día eso va a llegar / porque afuera en el filo de la oscuridad, ahí va el tren de la paz.

Wild word.- But if you wanna leave, take good care / I hope you have a lot of nice things to wear / But then a lot of nice things turn bad out there / Oh, baby, baby, it's a wild world / It's hard to get by just upon a smile. 
Pero si quieres irte, cuídate mucho / Yo espero que tengas muchas cosas bonitas con que vestirte / Porque un montón de cosas están empeorando allá afuera / Oh, nena, nena, es un mundo salvaje / Es difícil sobrevivir sólo con una sonrisa.

How can I tell you- I long to tell you that I'm always thinking of you / I'm always thinking of you, but my words just blow away, just blow away / It always ends up to one thing, honey / and I can't think of right words to say / Wherever I am girl, I'm always walking with you / I'm always walking with you, but I look and you're not there / Whoever I'm with, I'm always, always talking to you / I'm always talking to you, and I'm sad that / you can't hear, sad that you can't hear.
Hace tiempo quiero decirte que siempre estoy pensando en ti / Pero mis palabras desaparecen y todo se reduce a una sola cosa, cariño / No puedo pensar en palabras apropiadas para expresártelo. / Donde quiera que esté, niña, siempre estoy caminando junto a ti. / Siempre camino contigo, pero veo a mi lado y no estás ahí / Con quien sea que esté, siempre a quien le hablo es a ti y me entristece tanto que no puedas escucharme.

Muy recomendables:

Lady D´Arbanville
Morning has broken
The wind

(Foto: Internet)

CESARIA EVORA, LUZ Y VOZ

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Para Cesaria Evora (Mindelo, Cabo Verde, 1947) el hecho de recibir el reconocimiento del público en todo el mundo es más importante que el de haber recibido el (verdadero) Grammy o la Medalla de la Legión de Honor de manos del presidente de Francia, u otras de las muchas condecoraciones por ella recibidas. Y el gran público la aclama principalmente porque su voz, de perfecta entonación -y sólo comparable con la de Mercedes Sosa o Susana Baca- lo desborda todo. Tal vez también tenga que ver su compromiso irreductible con sus raíces y su pueblo.
De figura sencilla y pies descalzos, Cesaria Evora muestra su calidez en cada interpretación. Su tesitura delicada y armoniosa pasea por toda la gama de graves y agudos. Elegante y exacta, deja para el placer de los oídos una discografía plagada de joyas que no permite saber cuál destaca sobre las demás sin arriesgar alguna injusticia indeseada.
Su sencillez sobresale también. Sus pies descalzos nos recuerdan que hay heridas de probreza y miseria que debemos cerrar un poco o mucho cada día, mientras la vemos desde nuestro lugar de oyentes deslumbrados con sus canciones.
No está demás recalcar que su emotiva música transmite mensajes a despecho de cualquier barrera: idiomática, social, económica o política.
Acompañada de grandes orquestas o pocos músicos, Cesaria Evora deleita con emotividad y nostalgia. Su voz es la luz de su pueblo, alegría y dolor hechos canción. Pone el dedo en las llagas de la injusticia, la esclavitud, la inmigración y la pobreza. Oir una morna en la voz de Cesaria es un tajo en el alma para el más rudo de los oyentes.
Hoy, que es una diva de renombre mundial, sigue manteniendo su espíritu contestatario y humilde, como cada día desde que comenzó a deleitarnos con sus canciones.

No dejar de escuchar:

1.- Sange de beirona. Elegí este para gozar con el infinito talento de Cesaria, la inmortal.



2.- Tiempo de silencio – Con Pedro Guerra

3.- Bésame mucho

4.- Carnaval de Sao Vicente

5.- Flor di nha esperança

6.- Cape Verde Manda Mantenha

GRANDES DE LA GUITARRA

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Hay quienes destacan no sólo por grandes ejecutantes sin también por ser innovadores del lenguaje musical. Sus vidas pueden no ser ejemplares (y no tienen por qué serlo), mas sus presencias en el cielo musical quedarán como las constelaciones que perviven y -aunque a veces no las veamos- sabemos que están.
Estos son algunos de los genios -entre famosos y poco mediáticos- que sin duda lograrán consenso.

De Jimmy Hendrix se ha dicho casi todo, yo sólo ensayaré que no hay disonantes que no lleven su nombre. No voy a caer en el facilismo de decir que es el mejor guitarrista “de todos los tiempos”, principalmente porque aún no han pasado todos los tiempos, pero sí que es el estandarte de una legión de grandes guitarristas que a su imagen y semejanza continúan siendo cómplices del sonido y el silencio: Stevie R. Vaugham, Clapton, Slash, Berry, K. Richards o BB King por citar algunos.
SUMMERTIME (HENDRIX / JOPLIN)

En este arbitrario recuento de nombres, Mark Knopfler tiene también un lugar propio. Genio de la guitarra que incluye en sus melodías precisos tramos de silencio. La increíble comunión entre música, silencio, acordes incompletos, disonantes; desasidos de su cauce horizontal. Pliegues y repliegues de notas, hacen de Knopfler un guitarrista único -ojalá no irrepetible-. Una forzada lista del por qué hace la diferencia: brothers in arms, comunique, down to the waterline, lady writer, lions, once upon a time in the west, six blade knife, the man´s too strong, water of love, what it is, etc.

SIX BLADE KNIFE

BROTHERS IN ARMS

COMUNIQUE

Eric Clapton no solamente tiene un lugar entre de los mitos vivientes de la música. Su vigencia de 40 y más años lo dicen todo. Un estilo preñado un blues sensacional y emotivo. Su inigualable Strat nos regala sonidos siempre excepcionales, con el sello del inglés irreverente, del que el propio Hendrix se asombraría. Ya hemos hablado de él anterior post.

WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS

Stevie Ray Vaugham, indiscutido rey de la digitación. Nunca se sabrá si era más ducho en acústico o eléctrico y seguramente no importará, porque en ambas fue realmente excepcional. Su medio tono por debajo del usual le permitió una manera de manejar sus recursos en ámbitos duros y disímiles.

LITTLE WING IMPROVISATION:

Carlos Santana, ha tenido antes un espacio propio en esta página. No es momento de olvidarse de él. Carlitos es único también, pues ha logrado un sonido propio en su guitarra. De él se puede presentir antes de verlo llegar. Es un viento conocido, un sonido inconfundible. No hay otro sino él para llegar vibrante a las notas más esculpidas, los más agudos y extensos reclamos. Su rescate de la música latina para el mundo quizá no tenga igual, pero ama también los ritmos africanos con la misma pasión notoriamente a partir de Woodstock.

BLACK MAGIC WOMAN

Paco de Lucía es una gloria viva de la música. Su arrebatado estilo que desciende y sube hasta los límites de lo permitido, a veces nos conmueve hasta el dolor, sabiendo lo imposible de sus sonidos, de sus alcances. En mi opinión ha superado lo hecho por sus mentores: Niño Ricardo y Sabicas, en la música flamenca. Pero no se queda allí, ha seguido innovando con el afán de llegar a más público, trepado en su virtuosismo y en variadas escalas rítmicas y melódicas, que le han granjeado también críticas. Por añadidura ha puesto sobre el escenario el cajón peruano, instrumento de percusión que hoy es sistemáticamente usado en los tabladillos del mundo entero.
El flamenco de Paco no es un flamenco puro, pero es más universal.

RIO ANCHO

Hay para citar otros nombres, comenzando por Django Reinhardt, a quien ya dedicamos un post; están también en ese mismo firmamento: Duane Allman, Jimmy Page, Johnn Fusciante (de Red Hot Chili Peppers); Peter Frampton (y sus épicos 13 minutos con Do you feel like I do...  -"Frampton Comes Alive!"/1976), David Gilmour, Kirk Hammet, entre otros.

DO YOU FEEL LIKE I DO? / PETER FRAMPTON:

LOS MEJORES DEL BLUES

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Paco Bendezú (1928-2004), quien en los ochenta fue mi maestro de Poesía Italiana, compartió una vez más aquella noche su pasión por el blues. Estaba consciente de que enfrente había un auditorio entregado a su didáctica sapiencia. Pero iría aún más lejos: sembraría sin saberlo una secta de melómanos ávidos por el jazz y el blues.

La trémula melancolía que ofrece el blues, generalmente desde las cuerdas, arranca el alma y viene desde las profundidades del espíritu. Un blusero es -o debe ser- alguien irrefutable e irrepetible (por más que la melodía que interpreta parezca repetirse). Otra vez, como en otros géneros de la música, la influencia africana deja su semilla y no es casual que se trate de música y letras sentimentales, dolorosas y nostálgicas, todas ellas basadas en la espiritualidad (desde la yoruba hasta la cristiana, pasando por la santería). Ninguna como la raza negra para cantar sus tribulaciones.
Sin ánimo de enfrascarme en su dialéctica, debo enfatizar los otros aportes del blues a la música popular. Probablemente la antífona (dícese en la música popular de la llamada y respuesta), los melismas, el scat, el vibrato (recurso que, desde mi opinión, sirve para transportar la sensación de urgencia hacia la paciencia) y también el bend y el slide. Y la letra en el blues, que casi siempre es una conversación. Y aunque en un principio la pesimista inclinación de los letristas fuera vilipendiada por predicadores y sacerdotes, terminó asociándose familiarmente con el góspel. El blues cuenta con igual facilidad historias curiosas, humorísticas y sensuales.
En el blues hay para todos los gustos. Los hay de 16 compases, de progresión armónica 4/4 o de 12/8 y sus letras pueden terminar con el último golpe del décimo compás o en el primer del undécimo. Casi siempre resaltan la quinta, tercera y séptima y de acuerdo a la escala incluso pueden ser reemplazadas. Pero sobre todo el blues logrará tocar en la escala del alma notas de desolación, vivencias, añoranzas y deseo. El compás lo dictará cada uno.
El poeta Paco Bendezú, apenas finalizada su exposición en el Taller de Poesía que compartió con Washington Delgado y Antonio Cisneros en el Auditorio del BCR en Lima, se dejó convidar por un discípulo. Aceptó con una condición: había que pasar primero por su casa, a recoger sus discos de blues. Tres afortunados fuimos con él, en el auto del que sería nuestro anfitrión. Desde entonces he escuchado jazz y blues, tratando de descubrir los sonidos subterráneos que esconden técnicamente los ocho, doce o dieciseis compases, los acordes y las letras de una música de la cual seré dependiente todavía por el resto de mi vida.

Esta pretende ser la primera entrega.

MAGNÍFICOS :

1.- What I Say - Ray Charles (1930-2004).- El genio creó el primer tema soul.

2.-Rock me baby - B.B. King (1925)- El mito está vivo.

3.- Floyd´s guitar blues - Muddy Waters (1915-1983)- El padre del blues de Chicago, maestro del slide.

4.- Talk to me baby - Buddy Guy (1936) Otro del maestro.

5.- Three o´clock blues - Eric Clapton (1945). Dícese de “Mano lenta” que es el cuarto mejor guitarrista. La mayor parte del tiempo para mí es el mejor. Invito a comprobarlo en esta performance:



IMPERDIBLES:

Hit the road Jack – Ray Charles

Blues guitar jam – Eric Clapton/ BB King/ Buddy Guy

Walkin´ the dog – John Lee Hooker / John Rivers

All Over Again – BB King / Mark Knopfler

LOS VALIOSOS:
Blues boys tune - BB King
Ball and Chain - Janis Joplin
Lay down Sally – Clapton / BB King
Kansas City – Muddy Waters

20 MEJORES CANCIONES DE AMOR

Escribe: Rogger Alzamora Quijano

Nota del autor.- Este post fue publicado en mi casa dedicada a masticar letras: CARNE SIN HUESO el 01 de marzo de 2008. Por ese entonces este sitio se alojaba en mi mente.

El sólo hecho de hablar de música sugiere controversia. Cada quien tiene sus preferencias y dependen mucho de su cultura, personalidad y hasta del estado anímico.
En esta lista, cuyo orden es absolutamente arbitrario, figuran temas en distintos idiomas. Imposible abarcar todas las lenguas, pero al menos en cuatro de ellos busca ser representativa. Por razones obvias las traducciones son meramente referenciales.


1.- Ne me quitte pas.- Jacques Brel (Bélgica, 1929). Lanzada en 1959.
«Un hombre no debería cantar cosas así», comentó la gran Edith Piaf cuando en 1959 oyó interpretar por primera vez a Jacques Brel su propia composición.
«No me dejes./ No quiero llorar más./ No voy a hablar más./ Me esconderé aquí,/ para mirarte,/ bailar y sonreír,/ y para escucharte./ Deja que me convierta/ en la sombra de tu sombra,/ la sombra de tu mano,/ la sombra de tu perro. / No me dejes…».

No puedo dejar de compartir este video, inigualable, del gran Brel interpretando su canción como nadie más lo haría.



2. - Gloomy Sunday .- Billie Holiday (Filadelfia, 1915)
Compuesta en 1933 por los húngaros Rezso Seress (música) y Laszlo Javor (letra), aunque en los créditos aparece también Sam Lewis quien lo llevó al inglés. Se dice que fueron más de 15 los suicidios relacionados con Gloomy Sunday en Hungría antes de que la canción fuera prohibida.
Billie Holiday la estrena e 7 de Agosto de 1941 en Nueva York, con la Orquesta de Teddy Wilson.
El domingo es triste, mis horas son de insomnio / Amado, las sombras con las que vivo son infinitas / Pequeñas flores blancas nunca te despertarán / Allá donde el coche fúnebre de la tristeza te ha llevado / Los ángeles no tienen intención de resucitarte / ¿Se enfadarían si pienso en reunirme contigo?

3.- La quiero a morir .- Francis Cabrel (Francia, 1953)
Les Chemins de Traverse (1979) contiene “Je l´aime à mourrir”, un clásico. He elegido la versión en castellano que canta el propio Cabrel.
“…podéis destrozar todo aquello que veis / porque ella de un soplo lo vuelve a crear / como si nada, como si nada / la quiero a morir…”

4.- Sorry seems to be the hardest word .- Joe Cocker (Inglaterra, 1944)
En 1976 Elton John graba “Blues Moves” un álbum doble que contiene el tema. Debo decir que me gusta más la versión de Cocker por más intensa y sensitiva.
¿Qué tengo que hacer para que me quieras? / ¿Qué tengo que hacer para ser escuchado? / ¿Qué digo cuando todo ha terminado? / Cuando lo “siento” parece ser la palabra más difícil.

5.- Chelsea Hotel . Leonard Cohen (Montreal, 1934), el de la voz grave, el poeta impertinente, el del lenguaje provocador, el de la terca vigencia, graba "Chelsea Hotel #2" (letra: Cohen, música: Cohen/Ron Cornelius)en su quinto disco "New Skin for the Old Ceremony", editado en 1974, como un testimonio sobre su encuentro con la célebre Janis Joplin, ocurrido en el hotel del mismo nombre.
"Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea./ Ya eras famosa, tu corazón era una leyenda./ Volviste a decirme que preferías hombres bien parecidos,/pero que conmigo harías una excepción."


6. - Michelle .- The Beatles
Del disco “Rubber Soul” aparecido el 3 de diciembre del 65 y grabado en sólo cuatro semanas, sin embargo todo un éxito. De Mc Cartney/ Lennon.
“Michelle, mi bella/ son palabras que encajan muy bien/ encajan muy bien / Te amo, te amo, te amo, / es todo lo que quiero decir. / Hasta encontrar otra manera / diré las únicas palabras / que sé que entiendes / Michelle, mi bella.


7.- Y el amor .- Joan Manuel Serrat (España, 1943).
Incluído en el disco “Utopía”, en el sello Arbola en 1992. Dura solamente 2.40 minutos y es una alegoría al amor.
“El milagro de existir / el instinto de buscar, / la fortuna de encontrar / el gusto de conocer. / ….”

8.- Layla .- Eric Clapton (Inglaterra, 1945).
Con “Derek and the domino´s” graba su éxito “Layla” (incluido en “Layla and the other assorted love songs”) dedicada a Patty Boyd, entonces esposa de George Harrison y con quien se casaría luego. La versión es de un concierto acústico para MTV.
“Layla, te lo suplico cariño, por favor, / Layla, ¿no aliviarás mi mente atormentada? / Traté de consolarte / sabes que tu hombre nunca te fallará, /
como un tonto me enamoré de ti. “

9.- Te extraño .- Luis Miguel ((México, 1970) graba “Romance” el año 91, con la producción y dirección musical de Armando Manzanero. En el track 5 se encuentra “Te extraño”, tal vez la canción más sublime de Manzanero.
“Te extraño / como los árboles extrañan el otoño / en esas noches que no concilio el sueño / no te imaginas, amor, como te extraño…”

10.- Perfect Day .- Lou Reed (Estados Unidos, 1942)
Single incluido en su disco “Transformer” (1972), producido por David Bowie y que le hace día a día revaluarse, como corresponde.
“Un día perfecto / Hiciste que me olvidara de mí mismo / Que me creyera otra persona / Alguien bueno..”

11.- Pequeña serenata diurna .- Silvio Rodríguez (Cuba, 1946)
Lanza “Días y Flores”, su primer disco como solista en La Habana entre 1974 y 1975, con sus propias letras y música, y producida por Frank Fernández.
“Vivo en un país libre / cual solamente puede ser libre / en esta tierra, en este instante / y soy feliz porque soy gigante. / Amo a una mujer clara / que amo y me ama / sin pedir nada / o casi nada, / que no es lo mismo / pero es igual. “

12.- A case of you .- Joni Mitchell (Canadá, 1943)
Tiene gran influencia sobre muchos de los cantantes y músicos actuales, entre otros Prince. Su música y su estilo siguen dejando huella.
“Estás en mi sangre como vino santo / Tú, sabor tan amargo y tan dulce / yo podría beber un caso de ti, cariño / Y yo todavía estaría en mis pies /todavía estaría en mis pies.”

13.- Jes crois entendre encore .- David Gilmour (Reino Unido, 1946).
Aria incluida en la ópera “Los pescadores de perlas” de Georges Bizet, interpretada entre otros por Alfredo Krauss. La versión es de un concierto en Buenos Aires.
“Creo escuchar todavía, / escondido bajo las palmeras, / su voz tierna y sonora
como un canto de las tórtolas. / Oh noche encantadora / divino arrobamiento / Oh recuerdo encantador / loca embriaguez, / dulce sueño.”

14.- Tarde (sin daños a terceros) .- Ricardo Arjona (Guatemala, 1964)
Graba “Sin daños a terceros” en 1998, por Sony/BMG. Luego, se convertiría en canción obligada en sus conciertos. Para mí es el único buen tema de este cantautor.
“Qué ganas de besarte / de coincidir contigo / de acercarme un poco / y amarrarte en un abrazo / de mirarte a los ojos / y decirte bienvenida. / Qué ganas de rozarte / qué ganas de tocarte / de acercarme a ti golpearte con un beso / de fugarnos para siempre / sin daños a terceros…”

15.- She .- Elvis Costello (Inglaterra, 1954)
Costello graba "She" para el soundtrack de la película "Nothing Hill” en 1999. La música es de Charles Aznavour y la letra de M. Kretzmer.
“Ella puede ser la razón por la cual sobrevivo, / El porqué por el que estoy vivo, / La que cuidaré a través de los años duros pero respetables. / Yo, tomaré su risa y sus lágrimas / Y las convertiré a todas en mis recuerdos / Porque adonde ella vaya, yo tengo que estar. / El significado de mi vida es ella. / Ella, ella, ella. “

16.- Sólo pienso en ti .- Víctor Manuel San José (España, 1947)
En 1979 graba “Sólo pienso en ti” (incluido en su LP “Soy un corazón tendido al sol”) considerada su obra maestra. Aborda el tema del amor entre los excluidos. Milán, producción de Danilo Vaona.
“En el comedor les sientan separados a comer / si se miran bien les corren mil hormigas por los pies / ella le regala alguna flor / y el le dibuja en un papel / algo parecido a un corazón...”

17. - Sad Lisa - Cat Stevens (Londres, 1947),  rey del rock-folk graba su álbum "Tea for the Tillerman" en 1971. Un álbum genial, el más importante de su carrera. Lírica, armonía, sensaciones, íntima celebración. Con otros temas prodigiosos como "Where Do The Children Play", "Hard Headed Woman", "Wild World" o "Father & Son", el gran Stevens graba "Sad Lisa", tierno tema de amor y desesperación.
"Aunque mi amor quiere ayudarla/ella camina sola de un rincón a otro,/perdida en un corredor. Ella no puede oírme/aunque yo sé que le gusta estar cerca de mí./Lisa, Lisa, triste Lisa, Lisa."

18. - Something .- George Harrison (Reino Unido, 1943)
Los Beatles lanzaron su álbum “Abbey Road” en septiembre del 69, tal vez la obra cumbre del grupo. En él destaca el single “Something” dedicado a Patty Boyd, en ese entonces esposa de Harrison. Ofrezco la versión donde Harrison y Clapton, grandes amigos y enamorados de la misma dama, ejecutan varios años después esta canción. Como se puede ver, la afortunada Patty fue objeto de dos de las mejores canciones de amor, además de haber subyugado al mismo tiempo a dos grandes amigos.
“En algún lugar de su sonrisa ella sabe / que yo no necesito ningún otro amor / Hay algo en ella que me lo demuestra / No quiero dejarla ahora / Tú sabes que creo en ella aún.”

19. - No ordinary love .- Sade ( Nigeria, 1959)
Edita en 1992 su album “Love Deluxe”. La canción fue tema principal de “Indecent Proposal”.
“Yo te dí todo el amor que yo tuve / Yo te dí más de lo que pude dar / Yo te dí amor / Yo te dí todo lo que tengo / Y tomaste mi amor / Tú sólo tomaste mi amor.”

20.- Con te partiro .- Andrea Bocelli (Italia, 1958). La canción fue presentada en el Festival de San Remo, el single grabado en 1995 rompe récords en todo el mundo. Después sería editado como parte del álbum “Bocelli”. Melodía vibrante y sofisticada.
“Tú / en tu mundo / separado del mío por un abismo. / Oye / llámame / yo volaré / a tu mundo lejano. / Por ti volaré / espera que llegaré / mi fin de trayecto eres tú / para vivirlo los dos. / Por ti volaré / por cielos y mares hasta tu amor. / Abriendo los ojos por fin / contigo viviré.”